М. Силина - Музей Бойманса-ван Бёнингена Роттердам

Данное произведение — прекрасный образец голландского натюрморта первой половины XVII века. Работа Виллема Класа Хеды является не просто потрясающим реалистическим изображением сложных по фактуре и светотеневым характеристикам предметов, но, как и любой классический голландский натюрморт, представляет послание, где каждая вещь имеет скрытое значение. В чем состояли выразительные возможности натюрморта? Художники специально организовывали композиции таким образом, что бытовые предметы будто делались особыми знаками и символами, насыщались одухотворенностью. Именно из-за этой специфической осмысленности живописцы предпочитали дорогие, экзотические, редкие объекты, а также предметы со светящейся, сложной для передачи поверхностью. Этот свет олицетворял мир, созданный Богом. Нельзя забывать о том, что голландский пейзаж несет в себе отпечаток религиозности эпохи. Так, в данном произведении мастер изобразил стеклянный сосуд (стекло стоило недешево), серебряную искусно украшенную вазу, изысканные устрицы и заморскую диковинку — лимон. Хеда создавал работы, используя тональную живопись, он брал один основной цвет, в данном случае коричневый, и варьировал его. Наполовину опустошенный бокал олицетворял, как правило, добродетель умеренности. Осколок сосуда слева и устрицы означали беспутность, бессмысленность праздности, так как эти моллюски ассоциировались в то время с притонами и злачными местами. Натюрморт несет в себе нравственное поучение.

Питер Кодде — известный голландский живописец XVII века. Об истоках его художественного образования достоверно почти ничего неизвестно. Многие специалисты полагают, что мастер развивался под влиянием виртуозного портретиста Франса Халса, который основным средством выражения считал колористическую моделировку фигур. Кодде также использует богатую палитру. Он берет за основу коричневые и белые цвета. В своем творчестве живописец широко применял этот прием — тонального колорита, рисуя вариациями основного цвета и добиваясь единства человека и окружающей его среды. Главное в картине — независимая поза и выражение лица художника. Он смотрит на зрителя немного насмешливым, уверенным и открытым взглядом. Более поздняя версия произведения (1640-е) хранится в санкт-петербургском Эрмитаже.

Самый яркий представитель искусства северного барокко — Питер Пауль Рубенс — был родом из Антверпена. Став придворным живописцем герцога Мантуи в Италии, он много путешествовал по этой южной стране. В 1603 художник отправился в Испанию, где впервые познакомился с полотнами Тициана и Рафаэля в коллекции короля. Он был заворожен увиденным и с тех пор в поездках по разным городам Италии тщательно изучал творчество таких мастеров, как Рафаэль, Микеланджело и Караваджо. После возвращения в родной город живописец работал при дворе испанских наместников, управлявших Голландией. Он открыл собственную студию, которая стала пользоваться заслуженным успехом. У Рубенса учились многие знаменитые творцы, такие как Антонис ван Дейк и Якоб Йордане.

«Пой, богиня, про гнев Ахиллеса, Пелеева сына, / Гнев проклятый, страданий без счета принесший ахейцам» — первые строчки легендарной «Илиады» Гомера известны всем. Представленная работа — четвертая в серии из восьми подготовительных рисунков маслом, которую Рубенс создал для гобеленов на тему жизни главного героя «Илиады». Данный эскиз показывает сцену ссоры Ахиллеса с царем Агамемноном. В нем видны все характерные черты живописи барокко. Композиция очень динамична, пронизана движениями и светом. Герои эмоциональны: они жестикулируют, резко разворачиваются в энергичных позах, стоит обратить внимание на их активную мимику и особый интерес автора к рукам, как выразительны напрягшиеся мышцы. Светотеневая моделировка также типична для барокко: пышные одеяния струятся, живописно падают тяжелыми складками, золотой цвет царского дворца придает сцене сияние. Даже в таких на первый взгляд несущественных работах, как подготовительный картон для гобелена, видны виртуозность Рубенса, сила его таланта.

Рубенс при жизни познал оглушительный успех, его заказчиками были короли и императоры, в мастерской работал десяток художников. В последние годы жизни творец счастливо жил со своей семьей в собственном имении Стен. Именно в 1630-е в его наследии появилось большое количество пейзажных полотен. Живопись Рубенса становится более умиротворенной, его привлекают простые пейзажи родных мест, в этой неприхотливой сценке с изображением разбитой дороги и застрявшей повозки он создает тихую атмосферу леса, художнику не требуется много цветов, чтобы ее изобразить. Он использует коричневые и зеленые тона, добавляет немного голубого и белого. После привычных для Рубенса образов бравурной жизненности стиля барокко такие пейзажи дышат спокойствием и лирикой, растворенной в природе. Данный пейзаж демонстрирует его мастерство в тональной живописи. Кажется, что художник совсем не использует контуры, мягко переходя от одного цвета к другому. Все погружено в светящуюся дымку. Подобные виды частью рисовались с натуры, частью сочинялись. Данное произведение — из числа подготовительных рисунков маслом в коллекции музея. В этих работах видны виртуозность автора, его свободная манера наносить краски так и в таких сочетаниях, что они светятся. Кажется, что холст плавится и вибрирует.

Визитная карточка Клода Лоррена — идеализированные пейзажи и мифологические сюжеты. Манера французского мастера стала одной из основ живописи европейского классицизма. Он показал примеры тем, которые быстро завоевали популярность среди его соотечественников и художников Англии, Голландии, Германии и России. Лоррен изображал идеализированные утонченные сцены с сильным влиянием образов античной мифологии в поэтизированных декорациях итальянской природы.

Данная работа прекрасно характеризует как авторский стиль, так и принципы европейской пейзажной живописи XVII–XVIII веков. На ней представлены окрестности Рима, Кампанья, где художник часто останавливался. Чем эти места привлекали его? Щедрой южной природой, сочной зеленью. Но главное обаяние заключалось, конечно, в том, что здесь жили древние римляне, а позже творили великие мастера Возрождения. Своей символической значимостью Италия манила творцов со всего мира. Лоррен не зря получил признание как один из самых выдающихся пейзажистов Европы. Он писал очень мягкими тонами и деликатными движениями кисти. Современный зритель может пройти мимо работ художника из-за отвлеченной, классицистической композиции и сюжета. Однако стоит присмотреться к живописной технике: как легко и свободно Лоррен создает фигуры, модулирует тона, пышную листву, переходит от коричневого к зеленому, словно играючи прорабатывая каждый бугорок земли. Природа в его творчестве имеет характер не надчеловеческой стихии, а почти интимный, лирический, она не бравурна, а атмосферна.

Исследователи полагают, что голландский художник Карел Фабрициус был учеником Рембрандта. Такая гипотеза не удивляет, если обратить внимание на колорит и психологическую убедительность образа в представленной картине.

Работы этого уникального по своему таланту мастера пронизаны теплым светом красок и мягкостью кисти. Автопортрет подкупает непосредственностью и простотой, он будто нарисован быстро, при этом образ очень запоминается. В любой жанр, в котором начинал творить Фабрициус, он привносил новые решения и приемы. В 1654 живописец создал еще один автопортрет, в нем меньше влияния Рембрандта и больше сочных, живых красок (1654, Национальная галерея, Лондон). Художник трагически погиб в 32 года. Владеть его произведениями — большая честь для любого музея.

Данная работа принадлежит Эваристо Баскенису — итальянскому художнику XVII столетия из Бергамо. Он — самый известный представитель династии мастеров, которая вела свою родословную с начала XV века. В мировую историю искусства Баскенис вошел как автор символических натюрмортов с изображением музыкальных инструментов.