Л. Пуликова - Государственный Эрмитаж

Портрет римлянки, так называемая «Сириянка» — один из лучших образцов скульптурного портрета эпохи Антониев. В это время распространяются художественные приемы, впервые появившиеся в портретах времени Адриана: тонкая моделировка и полировка лица, применение бурава для волос и бороды.

Мраморная поверхность портрета римлянки тщательно проработана и отшлифована. Неправильные черты ее удлиненного лица отмечены хрупкой нежностью и женственностью. Глаза смотрят в сторону и вверх, общее выражение лица мечтательное, а на губах — чуть заметная улыбка с небольшим оттенком иронии. При смене угла зрения меняется и облик женщины: уходит улыбка, уступая место усталости. Ровно уложенные в прическу волосы разделены процарапанными линиями, это дает видимый контраст с гладкой, блестящей поверхностью лица. В портрете скульптор сумел передать не только внешний облик, но и внутренний мир молодой женщины, принадлежавшей к высшим кругам провинциальной знати.

Камея Гонзага, названная так по имени первого владельца, маркиза Гонзага, — одно из самых известных и крупных в мире произведений искусства глиптики. В подарок Эрмитажу она была преподнесена Жозефиной Богарне, супругой Наполеона. Камея представляет собой идеализированный парный портрет обожествленных правителей. Профильные изображения властителей эллинистического Египта — Птолемея II Филадельфа, его жены и сестры Арсинои II — вырезаны из сардоникса, крайне сложного в обработке материала. Неизвестный александрийский мастер виртуозно использовал фактуру и цвет трех разных слоев камня, благодаря чему кожа героев оказывается молочно-белой, а доспехи — темными. Птолемею он придает сходство с Александром Великим, показывает его красоту и твердый характер в идеальном профиле, а шлем уподобляет его богу войны Аресу. На головах супругов — лавровые венки — символ славы и победы. «Живопись в камне» — так называют эту камею благодаря мастерской технике обработки камня, точной моделировке и тонкому колористическому решению.

Уроженец Сиены, учившийся там живописному делу, Симоне Мартини работал в Неаполе, Орвьето, Пизе, Ассизи и Авиньоне. В 1317 он был возведен в рыцарский сан королем Неаполя Робертом. Мастер в своих произведениях продолжил традиции итало-византийской и готической живописи.

Мадонна из сцены «Благовещение» — створка диптиха — относится к работам зрелого периода творчества мастера. В изображение девы Марии художник привносит рафинированный изобразительный язык, яркие насыщенные цвета — золотой, синий, благородный красный; вводит элементы рыцарской светской культуры. Аристократизм подчеркнут изысканным изображением одежды, жестов рук знатной дамы, как бы отвлеченной от чтения небольшой книжки в красном сафьяновом переплете.

Итальянский художник и монах Фра Джованни да Фьезоле был прозван Беато Анджелико (Ангельским). Как никто другой он умел передавать мягкий лиризм и особую тонкую атмосферу евангельских сюжетов. Фреска «Мадонна с Младенцем, святым Домиником и святым Фомой Аквинским» некогда украшала стену доминиканского монастыря во Фьезоле, но после его упразднения была вырезана из стены и продана двум итальянским художникам. Работа принадлежит к позднему творчеству мастера.

Образы святых удивительно гармоничны и согласованы. В центре восседает Мадонна с Младенцем, слева от нее — святой Доминик с лилией в руке, символом чистоты, справа — святой Фома Аквинский с открытой книгой Священного Писания. В работах Фра Беато Анджелико органично соединились реалистические достижения мастеров круга Джотто и мягкие, проникновенные образы Симоне Мартини.

Леонардо да Винчи — крупнейший представитель искусства итальянского Возрождения. Мадонна Бенуа — бесспорно, одна из знаковых картин художника. Центром композиции является цветок в руках Девы Марии, к которому тянется Младенец Иисус. Мастер помещает Мадонну, одетую по флорентийской моде XV века, и Младенца в комнате с единственным источником света — окном в глубине помещения. Однако иной, мягкий свет льется сверху, именно он оживляет полотно игрой светотени, что придает фигурам объемность, выявляет тончайшую моделировку формы. Колорит картины неяркий, чуть приглушенный.

До поступления в 1914 в Эрмитаж произведение находилось в Петербурге, в собрании известного историка искусства Александра Бенуа.

Другая работа прославленного флорентийца, живописца, скульптора, ученого и естествоиспытателя Леонардо да Винчи — «Мадонна Лита», названная по фамилии одного из своих владельцев. У всякого смотрящего на картину возникает ощущение особого состояния — возвышенного покоя, одухотворенной созерцательной тишины. Да Винчи в образе Мадонны объединил чувственное, земное, высокое и духовное в один гармоничный непоколебимый образ красоты. Лицо Мадонны безмятежно, и, хотя на губах нет улыбки, наклон головы и поза выражают бесконечную нежность к ребенку, которого она кормит грудью. Златокудрый Младенец рассеянно смотрит на зрителя, придерживая правой рукой грудь матери, в его левой руке — птичка щегол — символ христианской души.

Филиппино Липпи, сын художника Филиппо Липпи — вероятно, самый известный из учеников Сандро Боттичелли, перенявший черты утонченного, поэтического стиля мастера.

Начиная со второй половины XIV века итальянские художники стали трактовать сцену Рождества Христова как сцену Поклонения. Эту традицию продолжает и Липпи, представив новорожденного и Мадонну в прекрасном райском саду, где крылатые ангелы с золотыми волосами охраняют их покой. Фоном выступает сказочный пейзаж с горами и замками в легкой дымке. Все здесь пронизано ощущением свершившегося таинства.

«Мадонна с Младенцем» — одна из самых ранних работ, исполненных итальянским гением Рафаэлем. В ней еще нет классической красоты и блеска живописного исполнения, которые так характерны для более позднего творчества мастера. В камерной и скромной Мадонне Конестабиле иная особенность — тонкий лиризм, который присутствует в образе молодой девушки, в мягком, наивном пейзаже с отдельно стоящими тоненькими, едва распустившимися деревцами. Выбрав форму тондо (круга), Рафаэль построил соответственно и композицию. Все линии в картине мягкие, плавные. Тельце мальчика располагается под тем же наклоном, что и голова его матери. Этим приемом достигается необычайная гармоничность построения композиции. Следует отметить, что позолоченная и расписанная рама, в которой находится картина, сделана по рисунку самого художника.

Джорджоне, венецианец по происхождению, учился у известного живописца Джованни Беллини. Он не только блестяще усвоил глубину и теплый колорит произведений наставника, но и во многом превзошел его.

«Юдифь» — одно из самых известных произведений Джорджоне — изображает прекрасную библейскую героиню, которая спасла свой город и народ, соблазнив, а потом и обезглавив спящего Олоферна, вождя вражеской армии. Джорджоне показал не сам подвиг, а момент, когда Юдифь осталась одна с головой поверженного врага, которую она попирает ногой. В ее образе чувствуются и гордость победительницы, и грусть, вызванная совершенным поступком. Фигура девушки и ее поза подчеркнуто женственны, но правая рука твердо сжимает меч. Исследователи предполагают, что Джорджоне придал Олоферну собственные черты лица. Возможно, это и объясняет тот факт, что вопреки сложившейся традиции голова Олоферна не выглядит чудовищной и мерзкой, наоборот, лицо побежденного воина красиво.

Жанр портрета достаточно редкий в творчестве итальянского мастера эпохи Ренессанса, а представленная картина — единственное произведение Корреджо, хранящееся в русском музее. Загадочен образ прекрасной молодой женщины в контрастных коричнево-белых траурных одеждах под сенью лавра, который, вероятно, символизирует ее поэтическое дарование. Ствол дерева, обвитый плющом, означает любовь и супружескую верность. На потерю близкого человека намекает сосуд, на котором написано название травы забвения из древнегреческой мифологии. По одной из версий, на портрете представлена Джиневра Рангоне, супруга Джангалеаццо да Корреджо, которая принадлежала к ордену францисканцев и овдовела в 1517. По другому предположению, это поэтесса Вероника Гамбара, покровительница художника, жена правителя города Корреджо Джиберто, умершего в 1518.