Е. Иванова - Штеделевский художественный институт Франкфурт-на-Майне

Когда Жана Батиста Симеона Шардена попросили раскрыть секрет красок, которыми он работает, художник ответил: «А кто вам сказал, что пишут красками? Пользуются красками, но пишут чувствами». Именно талант воспринимать окружающий мир во всех его проявлениях и отличает этого жанриста.

Шарден родился в семье столяра, начальное обучение прошел у Пьер-Жака Каза, в основном занимался копированием картин старых мастеров. Работать непосредственно с натуры художник начал в ателье Ноэль-Никола Куапеля, дописывал натюрморты на его полотнах. Этот жанр настолько увлек Шардена, что в дальнейшем он сосредоточился только на нем и поднял его на новый уровень. Живописец творил в эпоху Просвещения — бурной интеллектуальной деятельности, идейных коллизий, однако, глядя на его работы, кажется, будто художник совершенно отстранен от этого, круг его интересов — домашний быт, но наполненный высочайшей поэзией. Безусловно, Шарден был знаком с традициями голландского натюрморта, это особенно заметно в его ранних полотнах. Мастер всегда долго и тщательно продумывал каждую композицию.

Перед зрителем картина, относящаяся к зрелому периоду творчества художника, он здесь уже не гонится за внешними эффектами, не пытается «оживить» холст декоративными элементами, а ограничивается изображением всего двух предметов на пустом столе и нейтральном фоне. Натюрморт статичен и спокоен, он передает созерцательное настроение всего искусства Шардена. С помощью мелких динамичных мазков живописец создает удивительно красочное и выразительное изображение. Как правило, художник не делал свои произведения аллегориями добродетельной жизни, его натюрморты призваны раскрыть богатство и красоту мира.

Иоганн Генрих Вильгельм Тишбейн является ведущим мастером портрета второй половины XVIII века. Как и многие творцы своего времени, художник выбрал Италию источником вдохновения и местом пребывания. По ходатайству Гёте Тишбейн получил от герцога Эрнста II Саксен-Гота-Альтенбургского ежегодную стипендию в 100 дукатов, позволившую ему остаться в Риме.

Немецкая художественная культура того времени развивалась в русле классицистических тенденций, получивших теоретическое обоснование в трудах теоретика искусства И. И. Винкельмана, в частности в его «Истории искусства древности». Главная идея искусства, сформулированная эпохой просвещения, — подражание древним, поэтому Италия и Рим стали местом паломничества многих живописцев и поэтов. Гёте приезжал в Италию в 1 786, тогда переживал духовный кризис. В Риме поэт изучал архитектуру, искусство Античности и эпохи Возрождения, восхищался полотнами Рафаэля и постройками Андреа Палладио. Под руководством друзей Гёте попробовал себя в качестве художника, известно около 850 его рисунков итальянского периода. Литературное творчество поэта было в расцвете, он закончил трагедию «Эгмонт», начатую 12 лет назад, продолжил работу над драмой «Торквато Тассо», а также написал итоговый труд своего пребывания в «стране вдохновения» — «Итальянское путешествие».

Известно, что поэт и живописец встретились в 1786 в Неаполе, где и был создан представленный портрет. Он выполнен практически в натуральную величину, сам Гёте с иронией говорил, что подобный формат произведения не предназначен для северных домов. Поэт изображен сидящим вполоборота на фоне античных руин. Его взгляд устремлен вдаль, мимо зрителя. Художник, скорее всего, идеализировал внешний облик Гёте, представив его выразителем идей Просвещения и воплощением поэтического гения.

Полотно попало в Германию лишь в 1887. Баронесса Ротшильд завещала Штеделевскому художественному институту эту картину, приобретенную во время поездки в Италию в 1840 ее мужем, банкиром Саломоном Джеймсом Ротшильдом, чей дед Майер Амзель Ротшильд был родом из Франкфурта.

Франц Пфорр принадлежал к художникам, предпочитавшим идти по «надежному пути старой истины», а не по символическому — раскрытию тайн бытия. В историю искусства они вошли как назарейцы. Это движение зародилось в стенах Венской академии художеств, где учились его ведущие представители — Ф. Пфорр и Ф. Овербек. Целью живописцев было возрождение традиций национального немецкого искусства. Их в основном занимали сюжеты из истории, а образцом и источником вдохновения стало творчество Альбрехта Дюрера. Постепенно увлечение «новонемецким национально-патриотическим искусством», по определению Гёте, набирало силу.

Перед зрителем эпизод из истории Германии. Бургграф Нюрнберга Фридрих Гогенцоллерн привез грамоту Рудольфу об избрании в короли в то время, когда тот осаждал город Базель, так как был впутан в распрю с его епископом. Первое, что военачальник сделал после получения этого известия, — даровал мир городу. Через несколько дней Рудольфа короновали в Ахене (место коронации императоров Священной Римской империи).

Картина наполнена атмосферой праздника, торжественно въезжающую процессию встречают толпы горожан, из окон выглядывают взволнованные люди. От разнообразия цветов костюмов рябит в глазах.

Выбор сюжета обусловлен несколькими факторами: помимо того, что Рудольф I был первым представителем династии Габсбургов на престоле, он также занимался укреплением центральной власти. Это, возможно, имело связь с патриотическим движением второй половины 1800-х. Архаическая стилизация полотна не лишена прелести. Резкость контуров, упрощение фигур, локальность колорита несут отпечаток средневекового и ренессансного искусства.

Карл Филипп Фор, рано ушедший из жизни, является крупнейшим мастером немецкого романтического пейзажа. В 1810 произошла его судьбоносная встреча с дармштадтским придворным советником и живописцем Георгом Вильгельмом Исселем, который в 1811 пригласил Фора в Дармаштадт. Здесь творец при помощи госсекретаря и историка Филиппа Диффенбаха познакомился с немецким художественным наследием Средневековья и Возрождения. Там же, в Дармштадте, живописца представили принцессе Вильгельмине Луизе Баденской, она стала его заказчицей и поддерживала материально. Позднее Фор поступил в мюнхенскую Академию изящных искусств. Не закончив курса, он отправился в учебную поездку по Италии, где его репутация вундеркинда шла впереди него. В Риме творец некоторое время входил в круг назарейцев, но в дальнейшем у него сложился свой неповторимый художественный почерк. В переписке с родителями упоминал о работе над видами водопада в Тиволи по заказу франкфуртского торговца Филиппа Пассаванта. Пейзажи Тиволи пользовались большой популярностью среди художников-романтиков, ведь здесь были и древнеримская величественная архитектура, и великолепные сады эпохи Возрождения — все это в окружении поэтичного ландшафта Лацио.

«Водопад в Тиволи» сочетает в себе живое наблюдение итальянской природы и классицистические идеи ее гармонии, в результате чего чувство красоты окружающего мира неразрывно связано с его величием. На переднем плане слева изображены несколько фигур отдыхающих людей, справа — уходящий странник. Человеческая жизнь — лишь мгновение на фоне векового спокойствия природы, и водопад с его непрерывным течением символизирует ее быстротечность и постоянное обновление.

В 1832 Делакруа в составе официальной дипломатической миссии посетил Марокко. Хотя он был не первым художником, которого захватила тема Востока, но именно Делакруа удалось претворить собственные впечатления в неповторимые и самобытные образы. При этом его интересовала не столько внешняя этнографическая составляющая восточного быта, сколько образ жизни, склад характера людей. В письмах мастер говорил, что его поразило в арабах, их облике и костюме «нечто совершенно чуждое буржуазности» — их естественное благородство, сопоставимое в своем величии с гомеровскими греками и римлянами времен Республики.

Автор полотна верен динамичной и энергичной композиции. Несущиеся справа кони, поднимающие облака пыли копытами, активно размахивающие руками всадники с развевающимися плащами контрастируют со спокойно сидящим человеком на переднем плане, повернутым к зрителю спиной. Он умиротворенно наблюдает разворачивающуюся перед ним картину, кажется, через мгновение конница пронесется мимо, пыль уляжется, и опять воцарится спокойствие. Поездка в Северную Африку существенно обогатила колорит художника, акцентировала его внимание к свету. Цветовое решение его работ усложнилось — нюансы полутонов кажутся неуловимыми. Изменилась и манера мастера, мазки стали более свободными. Помимо восточных впечатлений чувствуется знакомство Делакруа с творчеством великого фламандца Питера Пауля Рубенса. Линия и рисунок чрезвычайно экспрессивны, они передают саму суть движения, не концентрируясь на деталях и частностях, как это было в современной Делакруа академической живописи, представленной на Салонах. Поэтому часто его обвиняли в неумении рисовать, не понимая единства рисунка и цвета в пластическом решении. Во многом Делакруа опередил свое время, будучи безусловным «вождем» романтического движения во Франции, он старался как бы отмежеваться от него. В творчестве художник соединил острое наблюдение за натурой с собственной фантазией, тем самым заложив основу для следующего этапа развития живописи — импрессионизма.