Умер Петров-Водкин 15 февраля 1939 года. Похоронен на Литераторских мостках Волкова кладбища.
Сразу после смерти Петрова-Водкина советская власть заметно охладела к его наследию. Его картины исчезли из экспозиций музеев, а имя почти не упоминалось вплоть до второй половины 1960-х годов. И все же нужно признать – творческая судьба Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина складывалась вполне счастливо.
Картина «Купание красного коня» написана в 1912 году
Эта известная картина художника Кузьмы Петрова-Водкина стала этапной для художника и принесла ему мировую известность. В 1912 году Петров-Водкин жил на юге России в имении близ Камышина. Существует мнение, что картина была написана в селе Гусевка. Именно тогда им были сделаны первые наброски для картины. А также написан первый, несохранившийся вариант полотна, известный по черно-белой фотографии.
На большом, почти квадратном полотне, изображено озеро холодных синеватых оттенков, которое служит фоном смысловой доминанте произведения – коню и всаднику. Фигура красного жеребца занимает весь передний план картины практически полностью. Он дан так крупно, что его уши, круп и ноги ниже колен обрезаются рамой картины. Насыщенный алый цвет животного кажется еще ярче по сравнению с прохладным цветом пейзажа и светлым телом мальчика.
Всего на картине изображено три коня и три мальчика – один на первом плане верхом на красном коне, два других позади него с левой и правой стороны. Один ведет под уздцы белую лошадь, другой, видный со спины, верхом на оранжевой, уезжает в глубь картины. Эти три группы образуют динамическую кривую, подчеркнутую одинаковым изгибом передней ноги красного коня, таким же изгибом ноги мальчика-всадника и рисунком волн.
Считается, что изначально конь был гнедым, и что цвет его мастер изменил, познакомившись с колористической гаммой новгородских икон, которой был потрясен. Собирательство и расчистка икон в 1912 году переживали свой расцвет. Художник утверждал, что этот цвет он перенял у древнерусских иконописцев. Как и на иконах, на этой картине не отмечается смешения красок, краски контрастны и как бы сталкиваются в противоборстве.
Красный конь выступает в роли Судьбы России, которую не в силах удержать хрупкий и юный седок. По другой версии, Красный конь и есть сама Россия, отождествляемая с Блоковской «степной кобылицей». В этом случае нельзя не отметить провидческий дар художника, символически предсказавшего своей картиной «красную» судьбу России XX века. Величавый, «фресковый» лаконизм форм, яркий и сильный локальный колорит превращают простой, пасторальный мотив в поэтическое иносказание о судьбах России.
Впервые полотно было показано на выставке «Мира искусства» в 1912 году и имело ошеломляющий успех. В 1914 году она была на «Балтийской выставке» в городе Мальме (Швеция). Разразившиеся Первая мировая война, революция и гражданская война привели к тому, что картина на долгое время осталась в Швеции. После окончания Второй мировой войны и после упорных и изнурительных переговоров, наконец, в 1950 году произведения Петрова-Водкина, в том числе и это полотно, были возвращены на Родину. Вдова художника передала картину в коллекцию известной собирательницы К. К. Басевич, а та в 1961 году преподнесла ее в дар Третьяковской галерее.
Картина «Богоматерь Умиление злых сердец» написана в 1914 – 1915 годах
Эта картина была написана в 1914 – 1915 годах. В 1913 – 1915 годах Петров-Водкин работал над росписями в соборах Кронштадта и Сум. Видимо, именно с этим связано появление этой картины, а также картины «Мать» (1915 год), где Мадонна с Младенцем предстает в образе молодой крестьянки, кормящей ребенка грудью.
Художник назвал свою картину «Богоматерь Умиление злых сердец», а в православной иконографии есть тип иконы «Умягчение злых сердец», перед которой обычно молятся об умиротворении, при вражде или гонениях. Картина была написана Петровым-Водкиным в годы Первой мировой войны и представляет собой душевный отклик художника на трагические события того времени. Небольшое по размерам полотно воспринимается как монументальное произведение. Художник изобразил Богородицу с головой, покрытой красным платком. Руками она стремится успокоить или благословить тех, кто смотрит на нее. Слева видна фигура Богородицы с младенцем Иисусом, а справа – фигура распятого Христа. Выражение лица у нее спокойное. Петров-Водкин создал трепетный и возвышенный образ, один из самых сильных по глубине воздействия в своем творчестве.
Петр Кончаловский 1876 – 1956
...
Русский, советский художник, работал в стилях фовизма и кубизма, картинам художника были свойственны схематичные формы и цвета.
Родился на Украине в городе Славянске в семье известного переводчика и издателя П.П. Кончаловского. Обучался живописному художественному искусству в школе рисования в Харькове. Став постарше, он писал декорации для домашних спектаклей. Однако юность будущего живописца отнюдь не была безмятежной. Его родители сочувствовали революционному движению, в их доме гостили В. Фигнер и С. Перовская, поддерживалась переписка с Н.Г. Чернышевским. В этой связи глава семьи был арестован, сослан в Холмогорье Архангельской губернии, имение было конфисковано, и семья переехала в Харьков. У Кончаловского были прекрасные музыкальные способности, и родители хотели, чтобы он стал музыкантом. Однако убедившись в силе пристрастия к художественной деятельности, его отдали в Рисовальную школу М.Д. Раевской-Ивановой в Харькове, которую Петр посещал одновременно с гимназией.
После возвращения из ссылки главы семейства Кончаловские переезжают в Москву в 1889 году, где Петр продолжает учиться художественному ремеслу. Ситуация изменилась с переездом семьи в столицу. Кончаловский-старший в Москве работал в издательстве Прянишникова и в 1891 году задумал выпустить иллюстрированное издание сочинений М.Ю. Лермонтова. В подготовке издания приняли участие многие известные художники, среди которых были В.А. Серов, И.Е. Репин, В.И. Суриков, К.А. Коровин, И.И. Левитан. Они стали бывать в доме Кончаловских, а М.А. Врубель вообще очень быстро превратился в друга семьи. Мастера видели рисунки Пети Кончаловского, К.А. Коровин даже подарил ему ящик с масляными красками. В это время будущий живописец занимался в вечерних классах Строгановского художественно-промышленного училища под руководством архитектора-реставратора и художника В.Д. Сухова. Однако после окончания гимназии Кончаловский по настоянию отца поступил на естественный факультет Московского университета. Проучившись там несколько месяцев, он все-таки добился разрешения ехать за границу для получения художественного образования.
В 1906 году Кончаловский познакомился с Ильей Машковым, многолетняя дружба с которым взаимно обогащала художников в их стремлении освоить достижения современной живописи. После окончания Академии Кончаловский предпринимает поездки во Францию и Германию в 1907 – 1909 годах. За границей он испытывает влияние живописи постимпрессионистов: творчество Гогена, Ван Гога, Сезанна производят на него неизгладимое впечатление. В многочисленных поездках по Франции, Италии и творческом осмыслении наследия нового французского искусства и, прежде всего, Сезанна, рождается неповторимый, яркий и «дикий» стиль Петра Кончаловского.
В 1910 году Петр Кончаловский принимает участие в московской выставке молодых художников «Бубновый валет», затем в 1911 году становится одним из учредителей одноименного общества, которое стало значительным явлением в русском искусстве. Известный художник и критик А.Н. Бенуа назвал представителей «Бубнового валета» «русскими сезаннистами». В их работах прослеживалось влияние постимпрессионизма, а также черты кубизма и фовизма, наблюдались нотки русского лубка.
В 1910 – 1912 годах в работах Кончаловского вдруг появилась так называемая «подносно-черная» основа, которая присутствует не только в натюрмортах, но и в некоторых портретах, давая возможность еще полнее ощутить звучность красок. В это время были написаны натюрморт «Пиво и вобла» и натюрморты с цветами.
По-новому написаны итальянские пейзажи 1912 года – «Сиена», «Сан-Джиминиано». Здесь уже ощущается внутреннее движение, жизнь. Наиболее же напряженными, энергичными воспринимаются натюрморты с законченными примитивистскими решениями – написанные в 1912 – 1913 годах «Палитра и краски», «Печка», «Сухие краски».
В 1914 году Петр Кончаловский попал на фронт артиллерийским офицером и сражался против немцев.
Всю жизнь Кончаловский очень любил писать натюрморты. В 1916 году появился удивительный натюрморт «Агава», в 1939 – «Глухари», в 1946 – «Подсвечник и груши», в 1955 – «Клубника».
В 1920-е годы Кончаловский отходит от тенденций живописи «Бубнового валета». Его творчество становится более реалистичным. Петр Петрович выдвигается в ряд ведущих мастеров советской живописи. Картины Кончаловского этого периода наполнены поэтическим утверждением радости жизни: пейзажи проникнуты национально-романтическим настроением, натюрморты очаровывают богатством красок, изобилием живописных сил природы, портреты покоряют здоровой чувственностью, оптимизмом, однако в некоторых из них ощущается напряженный драматизм переживаемых событий. Портреты художника очень интересны – человек показан в мгновение особого вдохновения – это портреты Пушкина, Лермонтова, композитора Прокофьева, режиссера Мейерхольда. Одной из наиболее интересных работ художника в театре было оформление оперы А. Рубинштейна «Купец Калашников» для театра Зимина, где Кончаловский, увлеченный в это время примитивами, использовал стилизацию «под лубок».
