В 1925 году художник купил дом в городке Ле-Канне возле Канн. Его жена была больна, и врачи рекомендовали ей смену климата. Вместе с ней художник побывал в разных уголках страны. В конце 1920-х годов он посетил Аркашон, Сен-Оноре-Ле-Бене, Ла-Боле, а в 1930-х некоторое время жил в Бенервиль-сюр-Мере, Трувиле, Довиле.
Боннар жил в Ле-Канне, когда началась Вторая мировая война. Это было невероятно тяжелое время. Не хватало еды и угля для отопления жилья, а зима 1940–1941 годов была непривычно холодной. Соседи помогали старому мастеру, делились продуктами, а он пытался расплачиваться с ними собственными живописными творениями. Боннара не пугали трудности, единственное, что его очень удручало, — это невозможность достать краски. Но он продолжал писать. В это время появилась композиция «Букет мимоз» (ок. 1941, частное собрание).
В годы войны Боннар пережил потерю близких и друзей. В 1940 году умер Э. Вюйар, зимой 1942 года не стало Марты, жены художника. В 1943 году скончался М. Дени, а в 1944 — К. Руссель. Но несчастья не могли сломить мастера, продолжавшего творить. Он использовал акварель и тушь, так как масляных красок не было, но и в этой технике ему удавалось создавать удивительно красочные и свежие композиции («Террасы», 1941, частное собрание, Франция).
Картины, выполненные Боннаром в 1940–1942 годах, были настолько хороши, что торговцы и коллекционеры предлагали за них поистине огромные денежные суммы. Но художник не оценивал свои творения так высоко и отказывался продавать их. Он говорил, что не желает «обворовывать людей». Боннар расставался с картинами, лишь когда по-настоящему нуждался в средствах.
Летом 1945 года Боннар приехал в Париж. В это время его племянник, Ш. Террас, организовал в Фонтенбло выставку современных живописцев. На экспозиции было представлено десять полотен Боннара. В 1946 году зрители увидели картины мастера в Осеннем салоне и на выставке «Искусство и Сопротивление». Несмотря на возраст и ухудшающееся здоровье, Боннар продолжал работать. За недолгое время пребывания в Париже он написал «Цирковую лошадь» (1946, собрание Ш. Терраса, Париж) и завершил «Мастерскую в Ле-Канне и мимозы» (частное собрание), начатую еще в 1938 году.
Вернувшись из Парижа домой, в Ле-Канне, художник заболел. Но он продолжал писать.
Последней его работой стала композиция «Миндальное дерево в цвету» (1946–1947, Музей современного искусства, Париж), показавшая восхищение умирающего живописца вечной красотой окружающего мира.
Искусство Юзефа Панкевича свидетельствует о его увлеченности творческими экспериментами. На разных этапах своей жизни он обращался к различным художественным направлениям. Так, ранние его работы говорят о его интересе к импрессионизму, а картины, написанные в 1890-х годах, отмечены романтическим духом. Позднее Панкевич обратился к фовизму и в некоторой степени к кубизму, а в композициях послевоенного периода — к классицизму.
Польский живописец и гравер Юзеф Панкевич родился в Люблине. В 1884–1885 годах он обучался в Варшаве у Герсона и Каминьского, а в 1885–1886 годах — в Петербургской академии художеств. До 1889 года жил и работал в Варшаве, затем переехал в Париж. Панкевич много путешествовал, он объездил почти всю Францию, побывал в Италии, в Пиренеях. С 1914 года и до конца Первой мировой войны мастер находился в Испании.
Дружеские отношения связывали Панкевича с художниками П. Боннаром, Ж. Сёра, П. Синьяком, писателем М. Жакобом, критиком Ф. Фенеоном. Его талант проявился в самых разных жанрах: портретном, пейзажном, натюрморте.
Большинство ранних работ мастера исполнено в манере импрессионизма с применением пуантилистской техники. Таковы картины «Цветочный базар возле церкви Мадлен в Париже» (1890, Национальный музей, Познань), «Своз сена», «Пейзаж с хатами» (1890), «Пейзаж Казимежа-над-Вислой», «Пейзаж с кустарником» (Верхнесилезский музей, Бытом).
В 1890-х годах под впечатлением ноктюрнов А. Герымского художник написал ряд чудесных романтических пейзажей, пронизанных тонким поэтическим чувством. Эти композиции показывают объятые ночным мраком таинственные ландшафты с мерцающими кое-где огоньками («Лебеди в Сасском саду», Национальный музей, Варшава; «Ночной извозчик», 1896, Национальный музей, Краков; «Парк в Дубое близ Пинска», 1897, Национальный музей, Варшава).
Ю. Панкевич. «Натюрморт. Цветы в голубой вазе», 1923, Национальный музей, Варшава
В это же время появились и необыкновенно правдивые и искренние портреты, свидетельствующие об интересе художника к проблеме искусственного освещения портретируемого («Портрет девушки», 1897, музей, Кельцы; «Портрет матери художника», 1901, Национальный музей, Краков).
Эксперименты с цветом выразились в картинах, созданных Панкевичем в 1900-х годах: натюрмортах, напоминающих работы таких французских художников, как П. Сезанн, П. Боннар, А. Матисс; пейзажах, передающих яркое очарование французского юга; интерьерах. Не избежал живописец и влияния синтетизма П. Гогена, о чем свидетельствуют четкие контуры и широкие красочные плоскости в композиции «Японка» (1908, Национальный музей, Краков), написанной в красноватых оттенках.
В духе А. Матисса исполнены необыкновенно красочные натюрморты Панкевича, относящиеся к 1900–1910-м годам («Натюрморт с ножом», 1909, Национальный музей, Краков; «Натюрморт с фруктами», 1909, Верхнесилезский музей, Бытом).
В работах, созданных художником в 1910-х годах, ощущается не только интерес к фовизму, но и увлечение таким направлением, как кубизм, хотя кубистские приемы мастер использует довольно осторожно и в небольших дозах («Терраса в Мадриде», «Вид на улицу», «Испания 1915», «За утренним туалетом»).
После окончания Первой мировой войны Панкевич возвратился во Францию. С этого времени он начал писать картины в духе классицистического искусства. Его композиции, выполненные с помощью тонких красочных слоев, вызывают в памяти произведения О. Ренуара.
В 1920-х годах Панкевич обращается к мотивам цветов и деревьев с густыми кронами.
Он пишет тюльпаны, натюрморты с фруктами и букетами («Натюрморт. Цветы в голубой вазе», 1923, Национальный музей, Варшава).
К этому времени относится и ряд портретов, а также несколько композиций с обнаженной натурой («Лежащая женщина», 1925). Большинство произведений мастера свидетельствует, что проблема цвета по-прежнему волнует художника.
Если в аналитический период Грис создавал архитектонику своих композиций из разнообразных описательных деталей, то в период синтетического кубизма он пошел в обратном направлении — от архитектоники к предмету. Об этом свидетельствует его знаменитая фраза: «Сезанн из бутылки сделал цилиндр, я из цилиндра делаю бутылку». Таким образом белый параллелограмм на его холсте превращался в книжную страницу, прямоугольник — в стол, овал — в грушу или лимон.
Французский живописец испанского происхождения Хуан Грис (настоящее имя — Викториано Гонсалес) родился в Мадриде. В 1902 году по настоянию своих родителей Грис поступил в мадридскую Школу искусств и ремесел, но проучился он там недолго. Через два года юноша оставил школу, чтобы целиком посвятить себя творчеству. В это время молодой художник сотрудничал в ряде журналов, для которых делал иллюстрации в декоративных традициях искусства модерн. Кроме того, Грис обучался у живописца Х. М. Карбонеро.
Под воздействием немецких изданий «Simplicissimus» и «Jugend» (в этих журналах сотрудничал друг художника, Вилли Гейгер) Грис обратился к самому передовому для того времени художественному направлению, распространенному в Испании, — югендстилю.
Но через некоторое время идеи югендстиля перестали удовлетворять Гриса. В 1906 году в поисках нового искусства художник отправился в Париж. Поселившись на Монмартре, он сблизился со своим соотечественником П. Пикассо и его кругом. Вскоре Грис снял мастерскую рядом с ателье Пикассо.
Чтобы заработать себе на жизнь, молодой художник начал делать юмористические рисунки для ряда французских журналов. К живописи он обратился лишь в 1911 году.
В кубистических композициях, написанных в это время, прослеживается влияние П. Пикассо и Ж. Брака («Натюрморт», 1911, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Стол в кафе», 1912, Художественный институт, Чикаго; «Гитара и цветы», 1912, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Пикассо», 1912, частное собрание, Чикаго).
В этих произведениях приемы кубизма сочетаются с традициями, воспринятыми мастером в области графического искусства. Грис совмещает в одной композиции разные планы и ракурсы, использует плоскостные формы, которые создаются с помощью прямых линий, сегментов овалов, полукружий. В отличие от своих учителей-кубистов мастер использует холодные красочные оттенки (голубые, серебристо-серые).
