Романтизм (франц. romantisme, от лат. romanus — «римский») — идейно-художественное направление в изобразительном искусстве конца ХVIII — начала ХIХ века.
В творчестве романтиков пессимистические настроения и трагическое мироощущение поколения людей, потерявших веру в идеалы Просвещения и разочарованных итогами Великой французской революции, соединились с поисками новых эстетических ценностей и стремлением к гармонии и целостности. Центральное место в романтическом искусстве занимала человеческая личность и ее борьба с жизненными обстоятельствами.
Романтизм оформился как реакция на классицистическое искусство, но в то же время всегда был неразрывно связан с ним. Это особенно заметно в живописи романтиков классицизма (Н. Пуссена, А. Мантения, К. Лоррена, Рембрандт, Ж.-Д. Энгра). Многие искусствоведы полагают, что романтизм появился как художественное течение в английской живописи на основе классицистической эстетики и пейзажного стиля. Крупнейшими представителями романтизма в английской пейзажной живописи являются Дж. Констебл и У. Тёрнер.
В каждой стране романтизм имел свои национальные особенности. Вслед за Англией романтизм сложился в Германии. Однако в отличие от английского, с его ощущением естественной красоты и простоты, немецкому романтизму присуща такая характерная черта, как мистицизм (отсюда увлеченность немецких романтиков готическим искусством).
Практически повсеместно романтизм на протяжении долгого времени сосуществовал с классицизмом, и только во Франции пути развития этих двух направлений изобразительного искусства разошлись. Произошло это в самом начале XIX века. Французский романтизм — необычное и яркое явление. Его представители искали и находили новые выразительные средства. Они сделали композицию более динамичной, а колорит — звучным и насыщенным. Художники смело использовали яркие эффекты, обусловленные контрастом холодных и теплых тонов, света и тени.
Крупнейшими представителями французского романтизма были Т. Н. Шарль, Т. Жерико, Э. Делакруа. В России отличительные признаки романтизма можно найти в произведениях А. О. Орловского, О. А. Кипренского, В. А. Тропинина.
Салон (франц. salon, итал. salone) — официальные выставки произведений живописи, проводимые в Париже с 1653 года по инициативе Королевской академии живописи и скульптуры. Сначала они устраивались ежегодно и не имели постоянного помещения.
С 1673 года проходили под открытым небом во дворце Пале-Рояль, а с 1699 года — в Лувре (до 1736 года в Большой галерее, в 1737–1848 годах в так называемом Квадратном салоне, отсюда и название — Салон). С 1746 года стали проводиться раз в два года.
Почти до середины XIX века Салон считался самой представительной официальной выставкой во Франции. В нем, как правило, на обозрение широкой публики выставлялись произведения художников, являвшихся членами академии («назначенных»).
Мастера, не имевшие отношения к официальным художественным кругам, демонстрировали свои картины на площади Дофина (Салон Молодых), в Салоне Академии Св. Луки, в лавках на мосту Нотр-Дам и др. С XVIII века организацией Салонов занимался смотритель королевских строений, а размещение экспонатов происходило под контролем одного из членов академии.
Перед открытием выставки издавался каталог с кратким описанием самых выдающихся картин и данными о званиях и академических должностях их авторов. На страницах газет, журналов и специальных изданий публиковались статьи, сыгравшие важную роль в становлении и дальнейшем развитии художественной критики, одним из родоначальников которой был Д. Дидро, писавший о Салонах в 1759–1781 годах. С 1848 года Салоны устраивались на Елисейских полях, во дворце Гран-Пале.
В эпоху правления Наполеона I было учреждено специальное жюри Салона. Этот официальный государственный орган занимался отбором работ и поддерживал академическое искусство. Жюри всегда крайне отрицательно относилось к малейшему отступлению от традиций и порядков, поэтому появление в Салоне работ художников-романтиков, реалистов и импрессионистов всегда вызывало резкое сопротивление.
С середины XIX века стали возникать независимые художественные выставки (выставка Г. Курбе «Реализм», 1855; Салон Отверженных, 1863; выставки импрессионистов, с 1874). В 1881 году Салон перешел под управление Общества французских художников и утратил свой официальный характер. С этого времени начали проводиться ежегодные Весенние салоны, а с 1903 года — Осенние салоны.
В конце XIX века появились авангардные выставки, также именуемые салонами (Салон Независимых, 1884). По аналогии с французскими салонами стали называть художественные выставки в других странах (Московский салон, 1910–1921).
Салонное искусство (от Салонов — официальных художественных выставок, проводимых во Франции) — консервативное течение в изобразительном искусстве Европы и Америки XIX — ХХ веков, основывающееся на традиции позднего классицизма и академизма. Мастера, работающие в этом направлении, в процессе работы над своими произведениями использовали отдельные приемы романтизма, а позднее — реализма, отражая только их внешнюю сторону и не затрагивая глубин данных художественных методов.
Характерными чертами работ представителей салонного искусства были эффективность композиции, однозначность содержания и прямолинейность сюжетной трактовки, формальная завершенность, преувеличенная выразительность, чрезмерная идеализированность образов. Свои произведения художники данного направления в основном ориентировали на вкусы широкой публики и, потакая им, достаточно часто включали в свои картины элементы эротики, носившей развлекательный характер.
Наивысшего уровня развития салонное искусство во Франции достигло в 1852–1870 годах, но отдельные его черты можно найти уже и в творчестве мастеров, близких к романтизму (О. Верне, Э. Девериа), и представителей так называемой золотой середины (П. Деларош, Э. Мейсонье).
Среди крупнейших художников салонной живописи второй половины XIX века в первую очередь следует назвать Т. Кутюра, А. Кабанеля, В. Бугро, Ж. Л. Жерома, Ф. Кормона, Ш. Шаплена, Ф. Винтерхальтера, Э. О. Каролюс-Дюрана.
Заметим, что мастера этого времени наиболее часто обращались к мифологическим и аллегорическим жанрам, что давало им повод изобразить обнаженную натуру. Их картины с историческими сюжетами были похожи на костюмную мелодраму. Жанровые сцены были близки к анекдоту, а портреты являлись явно приукрашенными изображениями моделей, которые выглядели на картинах слащаво-сентиментальными.
Свет (англ. light, shine, франц. lumiere, jour, нем. Licht, Shein) — оптическое электромагнитное излучение, включающее в себя вместе с видимым невооруженным глазом излучением (собственно светом) две области — ультрафиолетовую и инфракрасную.
Свет в живописи — это освещение представленной на картине натуры изображенным источником света (луной, солнцем, лампой, свечой), а также его отражение (блик, рефлекс). Свет лежит в основе одного из самых главных выразительных средств — светотени. Интенсивность и сила света передаются в картинах при помощи тональной и цветовой светлоты, а также световых контрастов и нюансов. Как правило, максимальная яркость света и цвета совпадают, но иногда яркий блик теряет свою силу, становясь обесцвеченным, вследствие чего светлеет и колорит.
Светлота — качество цвета, напрямую связанное с количественным соотношением отраженного света и поглощенного поверхностью предмета цвета. Определить меру светлоты окрашенных объектов можно путем их сравнения с ахроматическими объектами, выявлением степени приближенности к белому цвету, способному максимально отражать свет, удалением от черного цвета, поглощающего максимальное количество света.
Световоздушная среда — в изобразительном искусстве под данным словосочетанием подразумевается заполнение пространства полотна изображением разнообразных атмосферных состояний природы (туман, снег, солнечный свет).
Одними из первых, кто попытался передать световоздушную среду в своих произведениях, были представители венецианской школы живописи XV–XVI веков (Дж. Беллини, Джорджоне и Тициан). Их картины эмоционально и реалистично показывают солнечный и ночной свет. Дальнейшей разработкой проблемы световоздушной среды занялись живописцы XVII–XVIII веков — голландские пейзажисты, мастера венецианской ведуты, Рембрандт, Д. Веласкес, А. Ватто, Дж. Тьеполо. Но наиболее полно и достоверно световоздушную среду с постоянно происходящими в ней изменениями передают работы крупнейших живописцев начала XIX века — Дж. Констебла, К. Коро и А. А. Иванова. В середине XIX века она являлась объектом пристального внимания в живописи художников-импрессионистов.
