Подобно архитектуре, русская скульптура рубежа ХIХ―ХХ вв. стала быстро освобождаться от эклектизма. Это обновление художественно-образной системы самым тесным образом было связано с влиянием европейского импрессионизма, первым последовательным представителем которого стал Павел Петрович Трубецкой, сложившийся как мастер в далекой Италии, где прошли его детство и юность. Уже в первых «русских» работах этого скульптора, в частности бронзовых портретах и бюстах Л.Н. Толстого (1899), И.И. Левитана (1899) и С.Ю. Витте (1901), проявились черты нового метода мастера — бугристость фактуры, динамичность форм и т. д.
Самым знаменитым произведением П.П. Трубецкого стал бронзовый памятник Александру III в Петербурге (1909), который ряд авторов либерального толка (И. Шмидт) расценивают как гротескное, почти сатирическое изображение императора-реакционера и как антитезу знаменитому монументу «Медный всадник» Э. Фальконе (1782), где вместо гордого всадника, легко обуздавшего вздыбленного коня, представлен «толстозадый солдафон» на грузной, пятящейся назад лошади.
По-своему был чужд монументальному пафосу и знаменитый памятник Н.В. Гоголю в Москве (1909), созданный скульптором Н.А. Андреевым, который сумел тонко передать всю трагедию великого писателя, его «усталость сердца», столь созвучную тогдашней эпохе. Самобытная трактовка импрессионизма была присуща и творчеству другого выдающегося скульптора — Анне Семеновне Голубкиной, переработавшей принцип изображения явлений в движении в идею пробуждения человеческого духа, что наиболее ярко воплотилось в ее произведениях «Идущий» (1903), «Изергиль» (1904), «Старая» (1911) и «Сидящий человек» (1912).
Однако импрессионизм мало затронул творчество знаменитого скульптора Сергея Тимофеевича Конёнкова, которое всегда отличалось стилистическим и жанровым многообразием и было представлено такими работами, как аллегорический «Самсон, разрывающий узы» (1902), психологический портрет «Рабочий-боевик Иван Чуркин» (1906) и галереей обобщенно-символических образов на темы греческой мифологии и русского фольклора — «Нике» (1906), «Стрибог» (1910), «Нищая братия» (1917) и другие.
На рубеже ХIХ―ХХ вв. на смену традиционному реалистическому методу в изобразительном искусстве приходят иные формы художественного творчества, которые лишь косвенно стали отражать существующую реальность. Тогда же свою ведущую роль утрачивает жанровая живопись, а многие русские художники в поиске новых тем стали все чаще обращаться к изменениям в традиционном укладе жизни. Их в равной мере привлекали и тема раскола крестьянской общины (С.А. Коровин «На миру» 1893), и проза тяжелого, непосильного труда простых людей (А.Е. Архипов «Прачки» 1901), и революционные события начала века (С.В. Иванов «Расстрел» 1905), и т. д.
Размывание границ между жанрами в исторической теме привело к появлению нового историко-бытового жанра. Отныне не глобальные исторические факты и события интересовали вдохновенного певца русской старины Андрея Петровича Рябушкина, а эстетика русского быта XVII в., утонченная красота древнерусского узорочья и его подчеркнутая декоративность. Проникновенным лиризмом, глубоким пониманием своеобразия жизненного уклада, характеров и психологии людей допетровской Руси отмечены лучшие полотна этого художника, в частности «Русские женщины XVII столетия в церкви» (1899), «Свадебный поезд в Москве XVII века» (1901), «Народ московский во время въезда иностранного посольства в Москву в конце XVII века» (1901) и «Московская девушка XVII века» (1903). Историческая живопись А.П. Рябушкина — это своеобразная страна идеала, где художник находил отдохновение от «свинцовых мерзостей» современной ему жизни. Поэтому исторический быт на его полотнах предстает не столько драматической, сколько эстетической стороной.
В исторических полотнах Аполлинария Михайловича Васнецова ярко было представлено развитие пейзажного начала, в частности, в таких картинах, как «Старая Москва» (1896), «Улица в Китай-городе XVII века» (1900), «Площадь Ивана Великого в Кремле» (1903) и других. Творчество другого выдающегося русского художника Михаила Васильевича Нестерова представляло собой вариант ретроспективного пейзажа, через который была передана высокая духовность его героев, в частности, в таких картинах, как «Видение отроку Варфоломею» (1890), «На горах» (1896), «Великий постриг» (1898), «Святая Русь» (1906), «Три старика» (1915) и других.
Еще один великий русский живописец Исаак Ильич Левитан, блестяще владевший эффектами пленэрного письма, продолжая лирическое направление в русском пейзаже, постепенно подошел к импрессионизму («Березовая роща» 1889) и явился создателем «концептуального пейзажа», или «пейзажа настроения», которому присущ богатый спектр переживаний — от радостной приподнятости («Март» 1895; «Озеро» 1900), до философских размышлений о бренности всего земного («Над вечным покоем» 1894).
Другой выдающийся русский живописец Константин Алексеевич Коровин — стал одним из самых ярких представителей русского импрессионизма и первым русским художником, сознательно опиравшимся на традиции французских импрессионистов. Начав свой творческий путь в знаменитом абрамцевском кружке выдающегося русского купца и мецената С.И. Мамонтова, объединившего лучшие художественные силы Москвы, во второй половине 1880-х гг. вместе с ним К.А. Коровин посетил Париж и Мадрид, что во многом и предопределило начало нового этапа его творчества.
Художник все больше стал отходить от традиций московской школы живописи с ее психологизмом и даже драматизмом, пытаясь передать свои ощущения особой музыкой цвета. В начале XX в. вновь посетив Париж, он создал серию пейзажей, не осложненных ни внешними сюжетно-повествовательными, ни психологическими мотивами — «Париж» (1902), «Париж вечером» (1907) и «Париж. Бульвар капуцинок» (1911). В 1910-х гг. под воздействием театральной практики К.А. Коровин пришел к яркой, интенсивной манере письма, особенно в любимых художником натюрмортах «Цветы» (1911), «Розы и фиалки» (1912), «Сирень» (1915) и других.
Центральной фигурой русского художественного искусства рубежа веков был Валентин Александрович Серов — знаменитый ученик великого И.Е. Репина, знакомый с лучшими музейными собраниями Европы, он также испытал влияние художественного кружка, сплотившегося вокруг С.И. Мамонтова. Здесь, в Абрамцеве появились первые зрелые работы художника, в частности, его знаменитые «Девочка с персиками» (1887) и «Девушка, освещенная солнцем» (1888), импрессионистическая светоносность которых и динамика свободного мазка знаменовали собой поворот от критического реализма передвижников к «реализму поэтическому».
В.А. Серов работал в разных жанрах, но особенно значительно было его дарование портретиста, наделенного обостренным чувством красоты и способностью к трезвому анализу, что ярко проявилось в портретах художника К.А. Коровина (1891), императора Николая II (1900), актрисы М.Н. Ермоловой (1905), княгини A.К. Орловой (1911) и других. Поиски новых законов художественной трансформации действительности и стремление к символическим обобщениям привели B.А. Серова к изменению художественного языка, и от прежней импрессионистической достоверности его полотен прошлого столетия он пришел к условности модерна в таких исторических композициях, как «Петр I на строительстве Санкт-Петербурга» (1907) и цикле картин на античные сюжеты «Похищение Европы» (1910).
В те же годы один за другим в русскую культуру вошли два выдающихся мастера живописного символизма — Михаил Александрович Врубель и Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов. Своеобразная творческая индивидуальность М.А. Врубеля проявилась в совершенно различных видах искусства, в том числе в монументальном декоративном панно «Испания» (1894) и знаменитой станковой картине «Царевна-лебедь» (1900), в портретах С.И. Мамонтова (1897) и жены художника Н.И. Забелы-Врубель (1904), в театральной декорации к опере Н.А. Римского-Корсакова «Снегурочка» (1907), в книжной иллюстрации к произведениям М.Ю. Лермонтова (1909) и майоликовой скульптуре «Царевна Волхова» (1909).
Центральным образом творчества М.А. Врубеля стал Демон, воплотивший в себе мятежный порыв, который сам художник испытывал и остро чувствовал в лучших своих современниках — «Демон сидящий» (1890), «Демон летящий» (1899) и «Демон поверженный» (1902). Для искусства М.А. Врубеля было характерно стремление к постановке различных философских проблем. В частности, его размышления об истине и красоте, о высоком предназначении искусства остро и драматично, в присущей ему символической форме, были воплощены в его знаменитой картине «Шестикрылый серафим» (1904), навеянной творчеством А.С. Пушкина и Н.А. Римского-Корсакова.
Искусство лирика и мечтателя В.Э. Борисова-Мусатова стало своеобразной реальностью, превращенной в поэтический символ. Как и М.А. Врубель, В.Э. Борисов-Мусатов создавал в своих полотнах прекрасный и возвышенный мир, построенный по законам красоты и так не похожий на окружающий мир. Его искусство было проникнуто грустным раздумьем и тихой скорбью ― чувствами, которые испытывали многие люди того времени, «когда общество жаждало обновления, но очень многие не знали, где его искать». Его стилистика развивалась от импрессионистических эффектов к живописно-декоративному варианту постимпрессионизма, что наиболее зримо проявилось в таких его картинах, как «Майские цветы» (1894), «Гобелен» (1901), «Призраки» (1903), «Изумрудное ожерелье» (1904) и других.
