С тех пор как христианская религия получила признание, ее сторонники постоянно стремились к изображению величия Бога. Различные способы, к которым они прибегали, нам уже известны, например, по византийской мозаике из Дафни (рис. 91) или по росписи свода Сикстинской капеллы (рис. 160). С этой точки зрения ничего нового в произведении Поццо не было. Новым, напротив, явилось желание католиков в своем искусстве разграничиться с протестантами. В произведениях живописи они особенно подчеркивали необходимость посредничества святых (в данном случае — Игнатия Лойлы) в отношениях между Богом и людьми. А кроме того, всеми доступными средствами они показывали, что являются повелителями всего мира. Конечно, подобные притязания католики смогли демонстрировать лишь тогда, когда действительно заняли господствующее положение во многих странах.
Новым был и способ изображения, при котором реальные архитектурные формы дополнялись рисованными, в результате чего сооружение как бы устремлялось вверх до самого неба, а само небо «открывалось» над головами молящихся. Для достижения этих целей художники эпохи барокко широко использовали приемы пространственной перспективы.
Задачи искусства
В эпоху Возрождения появились не только новые формы искусства, но перед художниками встали и новые задачи. Сооружение замка становится столь же важным, как и строительство церкви. Заказы на скульптуры и картины поступают не только от церковных общин, но и от дворян и богатых граждан. Появились заказчики и в среде новой городской прослойки — состоятельных торговцев (купцов). Этот процесс, который начинается во времена Возрождения, стремительно развивается в эпоху барокко. Все чаще наряду с религиозным христианским искусством появляются многочисленные картины на сюжеты античных мифов и эпизоды реальной истории. Художники получали заказы на портреты, пейзажи (рис. 169), натюрморты (рис. 170), на так называемые жанровые картины, воспроизводящие сценки повседневной жизни (рис. 171).
Рис. 169. Пейзаж как самостоятельный живописный элемент формируется еще в эпоху Возрождения, но лишь около 1600 г. в Риме он становится полноценным жанром изобразительного искусства. Сначала художник делал зарисовки с натуры, чтобы потом в своей мастерской соединить отдельные эскизы в гармоничное целое, создав дивный пейзаж, который должен был быть сродни райскому. В результате появлялся идеализированный, вымышленный пейзаж, который художники зачастую дополняли сценами из Библии и античных мифов. Однако фигурки героев обычно настолько малы, что главной темой полотна оставалась сама природа.
Клод Желле, больше известный под именем Клод Лоррен (1600–1682), жил в Риме и был мастером пейзажной живописи. Полотно «Пейзаж со свадьбой Исаака и Ребекки» изображает вид с далеким горизонтом и озером, обрамленным деревьями. На заднем плане видны горы, слева — руины, напоминающие о прошлом.
Пейзажная живопись развивалась не только в Риме. Повсюду в Европе, и прежде всего во Франции и Нидерландах, художники были заняты поиском собственной индивидуальной манеры в изображении природы.
Рис. 170. Немецкое слово «Stilleben», означающее натюрморт, переводится приблизительно как «тихое, спокойное существование». Во французском языке этот живописный жанр называют «мертвой природой» (nature morte), хотя нередко на полотнах присутствуют и живые существа. Как правило, все элементы натюрморта сосредоточены на столе или другой плоскости. В зависимости от изображенных предметов, различают натюрморты-«завтраки», «охотничьи» или «музыкальные» (с инструментами) натюрморты. В прежние времена отдельные предметы имели зачастую символическое значение, олицетворяя, например, бренность бытия и смерть.
Георг Флегель (1566–1638) был первым немецким мастером этого жанра. Его натюрморт изображает вазу с фруктами, на которой сидит попугай, рядом — изящный бокал с вином. Перед вазой лежат гроздь винограда и несколько монет. Мышка грызет рассыпавшиеся по столу сладости. Фрукты, деньги, сладости и стекло символизировали тогда бренность существования.
Рис. 171. Жанровые картины изображают сцены повседневной жизни (французское слово «genre» означает «обычай» или «образ жизни»), В XVII в. жанровая живопись была особенно популярна в Нидерландах. Художники любили тогда писать обыденные сюжеты из жизни горожан. Так, картина «День св. Николая» Яна Стена (1626–1679) — свидетельство того, что и в XVII столетии дети в этот праздник получали подарки.
На картине перед нами жилая комната, где расположилась большая семья: родители, бабушка и семеро детей. Почти все дети радуются подаркам, и только один мальчик — уже подросток — плачет. В его башмаке оказалась розга, которую, смеясь, показывают брат с сестрой. Однако бабушка сзади кивает ему, давая понять, что у нее для внука кое-что припасено. Благодаря таким жанровым сценкам мы имеем представление о жизни в те времена, о том, как выглядели тогда люди и их дома.
Поскольку спрос на картины постоянно возрастал, художники начали писать их «про запас», и вскоре торговцы стали выставлять картины на продажу в своих лавках. Это явилось началом художественного рынка, то есть свободной продажи произведений искусства, выполненных без предварительного заказа.
Наряду с дорогими полотнами можно было приобрести и дешевые гравюры, то есть отпечатки с деревянных досок или офорты (см. зал 11, гл. «Искусство гравюры»), которые зачастую копировали известные картины. Сами же картины теперь все реже писали на дереве. Вместо него художники стали использовать холст. Это достаточно прочный материал, на который вначале наносится специальный состав — так называемая грунтовка, — а затем по ней пишется изображение. Преимуществом холста является и то, что выполненная на нем картина не так тяжела, как написанная на дереве. Следовательно, ее проще переносить и перевозить. Сняв раму, холст можно осторожно свернуть, получив в результате лишь небольшой рулон. Такое уменьшение проблем с транспортировкой привело к тому, что теперь известные художники получали заказы уже со всей Европы.
Положение художников
Положение художников тоже постепенно менялось. Вы наверняка помните о гильдиях и корпорациях эпохи средневековья. Еще с тех пор в одну и ту же группу объединялись, например, художники и маляры, а также скульпторы и каменотесы, то есть художественно творчество не отделялось от труда ремесленников. Все они должны были в течение многих лет находиться в обучении у мастера, а после этого ходатайствовать о приеме в гильдию — иначе они не имели права заниматься своей специальностью.
Однако в конце XV столетия один из Медичи (см. статью «Медичи», зал 11) основал во Флоренции школу для получивших образование скульпторов, которую назвал Академией. Леонардо да Винчи или Микеланджело могли изучать тут, например, собрание античных скульптур. В 1563 г. последовало открытие во Флоренции первой Академии живописи. В 1577 г. была открыта такая же Академия в Риме, где с 1599 г. начали складываться определенные правила преподавания и получения специального художественного образования. Тем самым художники в Риме и Флоренции впервые были признаны не ремесленниками. Их теперь приравнивали к ученым.
Римская Академия стала образцом для подобных учебных заведений, появившихся позже по всей Европе. Правда, если не считать Рима и Флоренции, прошло еще довольно много времени, прежде чем художников перестали причислять к членам ремесленных гильдий. В 1648 г. первая художественная Академия появилась в Париже, в 1696 г. — в Берлине, в 1744 г. — в Мадриде и в 1768 г. — в Лондоне. Стилистическое направление в живописи, выработавшееся в этих учебных заведениях, получило название «академизм». Эта живопись отличается определенными общими чертами и приемами, хотя сами Академии находились в разных городах и странах. Однако к этому времени крупнейшие европейские художники шли уже каждый своим собственным, независимым путем. Индивидуальная манера, собственный стиль или «почерк» все больше отличали одного художника от другого.
Маньеризм и зарождение живописи барокко
Микеланджело стремился к тому, чтобы в своих живописных и скульптурных произведениях соединить характерные для эпохи Возрождения представления о гармоничной красоте человеческого тела с передачей сильных чувств. Многие художники — его последователи — пошли по пути подчеркивания, утрирования изображаемых эмоций. Однако тем самым они вступали в противоречие со свойственным эпохе Возрождения стремлением изображать человека и природу как можно ближе к натуре, объективно. Эти художники акцентировали какие-то части человеческого тела (например, удлиняя их) или использовали преувеличенно яркие краски. Этот стиль позднего Возрождения принято называть маньеризмом (см. статью «Маньеризм», зал 12). Одним из представителей этого течения был художник греческого происхождения, родившийся в 1541 г. на Крите и около 1566 г. переехавший в Италию. Начиная с 1576 г. и до своей смерти в 1614 г. он жил в Испании. Его называли просто Эль Греко, так как настоящее его имя (Доменико Теотокопули) для итальянцев и испанцев было слишком сложным. Своим особым художественным языком — необычными неестественными оттенками красок, чрезмерно удлиненными пропорциями фигур, выразительными жестами и позами Эль Греко удавалось передавать такие чувства, как боль, отчаяние и даже жестокость. Все это хорошо видно на картине, которая висит в нашем музее в зале, посвященном эпохе барокко. Художник запечатлел драматический момент снятия одежд с Христа перед его распятием (рис. 172).
