А. Майкапар - Лондонская Национальная галерея

Жорж Сёра — французский художник-постимпрессионист, основатель неоимпрессионизма, создатель метода живописи, получившего название «дивизионизм» или «пуантилизм».

Сёра во многом оказался чужд течению импрессионизма. Никому из импрессионистов не пришло бы в голову «дорабатывать» картину, написанную на пленэре, в мастерской. Все их достижения заключаются в способности поймать и передать само состояние природы — ее воздуха, освещения, неуловимых перемен от воздействия атмосферы. Сёра работает не так. Притом что он писал множество этюдов на пленэре (так было и при создании этого холста), мастер «прогонял» их через критический отбор в студии. В большей степени, чем у любого другого художника его времени, у Сёра чувство подчинено рассудку. В сущности, иначе и не могло быть при избранном им техническом методе пуантилизма. Волшебное впечатление от картин, созерцаемых на известном расстоянии, только с которого отдельные мазки чистых красок соединяются в тончайшую гамму оттенков (суть пуантилизма именно в этой иллюзии), не могло быть создано по наитию. У живописца имелась своя концепция сочетания отдельных чистых тонов. Рассматривая произведение близко, можно понять, как из отдельных мазков слагается волшебный образ.

Винсент Ван Гог — выдающийся нидерландский художник-постимпрессионист.

Подсолнухи имели для мастера особое значение. Он написал два цикла картин с ними: парижский (1887, две картины с лежащими цветами) и арльский (1888, четыре работы с цветами в графине). Затем живописец сделал несколько вариантов этих произведений. Все они до сих пор вызывают дискуссию в кругах искусствоведов и стали своего рода «брендом». «Подсолнухи» Ван Гога имеют такое же значение в его творчестве, как «Джоконда» для Леонардо, «Сикстинская Мадонна» для Рафаэля, «Черный квадрат» для Малевича. Эти полотна в определенном смысле являются «синонимами» художников.

Арльский цикл, в который входит лондонская картина, предназначался для украшения комнаты друга живописца, Поля Гогена, в так называемом Желтом доме в Арле, на юге Франции, которую Ван Гог арендовал. Оба художника творили там вместе в октябре — декабре 1888.

В работе над циклами Ван Гог применил особую технику письма — импасто. Ее суть в том, что краски наносятся очень густым слоем и применяются не только традиционные кисти, но еще и нож. Так создавалась особая шероховатая поверхность, рельефный рисунок.

«Подсолнухи» не раз копировали (подделывали), зачастую преуспевая в техническом отношении, но никогда — в «личностном».

Эдгар Дега — французский живописец, один из видных представителей импрессионизма. Произведения Дега невозможно спутать ни с чьими другими. Это следствие не только манеры письма, но, быть может, в первую очередь совершенно необычного круга тем художника, во всяком случае, зрелого периода творчества.

Данная картина относится к позднему периоду, она основана на нескольких этюдах и одной более ранней пастели. С точки зрения живописи полотно очень смелое, поскольку Дега задался целью создать его в одной цветовой гамме. Своеобразная трактовка сюжета и монохромность письма являются характерной особенностью почерка мастера этого времени.

Возвратившись во Францию после поездки в Америку, Дега начал посещать танцевальные классы, проявляя интерес к закулисной жизни балерин. Появилось множество работ на тему их репетиций, профессиональных привычек, нравов и быта. Все это «звучало» абсолютно по-новому в сравнении с представлениями о «парадной» стороне профессии (у живописца есть и такие картины). И хотя представленный холст, сюжет которого повторяется у Дега не раз, не относится к жизни именно балетных артисток, он свидетельствует об увлечениях художника. Его волновала женщина всецело — ее настроение, действия, поступки. Об этом говорил сам мастер.

Поскольку Дега изображал своих моделей, ничуть не приукрашивая их, если не сказать, демонстрируя в видах, которых сами они постарались бы избежать (живописца в гримерных балерин принимали как совершенно своего человека и не обращали на него никакого внимания, он никого не смущал), бытовало мнение, что он был женоненавистником. Художник не был женат и не имел детей, но к женщинам относился с благоговением.

Картина «Расчесывание волос» некоторое время принадлежала Матиссу.

Поль Сезанн — французский живописец, представитель постимпрессионизма, который в натюрмортах, пейзажах и портретах стремился с помощью градаций чистого цвета, устойчивых композиционных построений выявить неизменные качества предметного мира, его пластическое богатство, логику структуры, величие природы и органическое единство ее форм.

Сезанн выработал свою систему единообразных прямоугольных мазков, спускающихся по диагонали полотна (обычно от верхнего правого угла к нижнему левому) и покрывающих весь холст. Он менял направление мазка не только в разных работах, но и на разных участках одной картины, при этом всегда строго следил за тем, чтобы внутри каждого участка мазки сохраняли одинаковую форму и ложились строго параллельно. Такая техника придает его живописи сходство с тканой или даже ковровой поверхностью и ощущение ритмического движения.

Идеей, занимавшей Сезанна в конце жизни, было написать большое полотно с обнаженными фигурами купальщиц. К ее воплощению художник шел долго и создал ряд картин на эту тему. Одну из версий приобрел П. Пикассо, А. Матисс тоже имел этюд. Посылая его в дар парижскому музею Пти-пале, он написал: «Этот холст был моей собственностью на протяжении тридцати семи лет. Он поддерживал меня в критические моменты моего творческого пути, я черпал в нем мою веру и стойкость».

Среди множества этюдов и эскизов выделяются три большие работы, относящиеся к последним годам жизни художника. Это данная картина, а также «Большие купальщицы» из Художественного музея в Филадельфии и произведение под таким же названием, принадлежащее фонду Барнса в Марионе в США. Один из крупнейших исследователей творчества Сезанна Т. Рефф резюмирует значение упомянутых полотен: «В гораздо большей степени, чем его последователи, Сезанн со своими поздними "Купальщицами" стоит на переломе европейского искусства, ностальгически оглядываясь на старую традицию и предсказывая новую».

Музей д'Орсе представляет одно из интереснейших собраний изобразительного и прикладного искусства, крупнейшую в мире коллекцию французской живописи и скульптуры, охватывающую сразу несколько направлений: от неоклассицизма и романтизма до импрессионизма, экспрессионизма и стиля модерн (ар-нуво). В экспозиции музея — знаменитые полотна Мане, Энгра, Делакруа, Моне, Дега, Гогена, Тулуз-Лотрека, Ван Гога и других.

Паровоз тогда назывался пароходом.