А. Майкапар - Лондонская Национальная галерея

Исследователями установлено, что картина, как не раз было у Рубенса, по мере работы мастера над композицией вырастала в размерах. Первоначально он задумывал небольшой пейзаж, но в окончательном виде произведение состоит не менее чем из 17 частей. Это один из лучших пейзажей во фламандском искусстве XVII века.

Эль Греко — испанский художник, по происхождению грек, уроженец острова Крит.

Рассказ об очищении храма от торгующих приводят все четыре евангелиста. Однако у синоптиков это одно из последних деяний Христа, тогда как по Иоанну — начало Его общественного служения. Разное местонахождение события в жизнеописании Спасителя и некоторые другие различия дали основание считать, что Иисус дважды предпринимал попытку очистить храм. Первая была для народа полной неожиданностью, вторая же, произошедшая примерно три года спустя, стала одной из непосредственных причин Его смерти: «Услышали это книжники и первосвященники и искали, как бы погубить Его». Особая значимость этого сюжета в том, что Христос впервые всенародно провозгласил себя Сыном Божьим, назвав Бога своим Отцом.

Эль Греко несколько раз на протяжении творческой жизни обращался к этому сюжету — в Италии и Испании. Представленный вариант с удлиненными фигурами и яркой красочной палитрой, вероятно, был написан в Толедо.

Большинство произведений Сурбарана с образами святых дев было заказано художнику в виде серий и в основном исполнено его помощниками. В 1647 он получил заказ на 24 такие картины для монастыря в Лиме, еще через два года — на 15 для Буэнос-Айреса. Однако работа со святой Маргаритой Антиохийской была написана раньше и, несомненно, является творением самого мастера.

Маргарита Антиохийская — легендарная христианская дева-мученица. Ее житие повествует, что префект антиохийский пожелал жениться на ней, но она отказала, сказав, что является Христовой невестой. Деву подвергли жестокому мучению и заточили в подземную темницу. Туда в виде дракона явился сатана и сожрал ее. Но крест, который она держала в руках, заставил монстра разверзнуться, и Маргарита вышла наружу. Она была обезглавлена после молитвы о том, чтобы беременные женщины, воззвавшие к ней, смогли безопасно родить своих чад, подобно тому, как сама она появилась невредимой из чрева дракона. Некогда Маргарита была почитаемой христианской святой, поскольку считалась покровительницей рожениц. Однако из-за отсутствия доказательств подлинности истории в 1969 она была исключена из церковного календаря. Сурбаран создал мирской образ, резко контрастирующий со всем строем испанской религиозной живописи XVII века. Это практически портрет крестьянки: она изображена с пастушеским посохом, в соломенной шляпке, с домотканой сумкой с затейливым орнаментом. О том, что на полотне — святая, можно догадаться лишь по традиционным атрибутам — дракону и книге в ее руке — безусловно, Библии.

Представленная работа — единственная картина Диего Веласкеса, на которой запечатлена обнаженная женская фигура. Это объясняется резко отрицательным отношением испанской церкви к подобным изображениям. Однако в королевской коллекции было много подобных произведений на мифологические сюжеты, например Тициана и других художников эпохи Возрождения. По документам известно, что Веласкес написал еще несколько похожих полотен, но они не сохранились.

Венера, богиня любви, была самой прекрасной богиней античного мира и считалась персонификацией женской красоты. Живописец показал ее с сыном Купидоном. Он держит зеркало так, чтобы она могла видеть и себя, и того, кто ее созерцает. Этот прием за сто лет до Веласкеса изобрел Тициан специально для изображения богини («Венера с зеркалом», 1550-е, Национальная галерея искусства, Вашингтон), она тоже представлена с Купидоном.

Впервые картина упоминается в 1651 как хранящаяся в коллекции молодого сына тогдашнего премьер-министра Испании, знаменитого своей любвеобильностью и покровительством искусству. Впоследствии он стал маркизом дель Карпио и вице-королем Неаполя. Этот статус позволял ему заказывать подобные полотна, не опасаясь преследований инквизиции. В доме маркиза работа висела вместе с венецианской картиной XVI века, изображавшей обнаженную нимфу. Одним словом, «Венера перед зеркалом» оставалась уникальной в испанском искусстве вплоть до появления «Махи обнаженной» Франсиско Гойи, вдохновленного шедевром Веласкеса.

Произведение известно под названиями «Туалет Венеры» и «Венера и Купидон». В Национальную галерею оно попало в 1906 из английского поместья Рокеби-Парк в графстве Йоркшир, поэтому получило еще одно название — «Венера из Рокеби». Специалисты Галереи считают, что Купидон и лицо Венеры в зеркале были переписаны в XVIII веке.

Картина была задумана как парная к портрету мужа донны Исабель де Порсель, дона Антонио де Порсель. Супруги были близким друзьями Гойи, и он, гостя в их доме, в знак благодарности за радушие написал их. Сложилось так, что портрет мужа попал в Буэнос-Айрес и хранился в жокей-клубе, но случившийся пожар уничтожил его. Портрет донны Исабель де Порсель, почти наверняка тот, который Гойя отобрал для выставки в Академии Сан-Фернандо в Мадриде в 1805, там и оставался. В 1896 его приобрела Национальная галерея. Исследование картины в рентгеновских лучах показало, что он написан поверх изображения мужчины в военной форме.

Донна Исабель на представленном холсте одета как маха. В Мадриде XVIII века этот стиль ассоциировался с женщиной из низов общества, легкого поведения. Но к концу столетия и в начале следующего он по нескольким причинам вошел в моду в аристократических кругах: как выражение национально-патриотического духа и, вероятно, поскольку подчеркивал женскую загадочность и красоту непременной черной мантильей и высокой талией. Такое платье оправдывает позу модели, которая характерна для фламенко: левая рука согнута в локте и упирается в бедро, тогда как торс и голова резко повернуты в противоположном направлении. Не будь она связана с образом махи, воспринималась бы очень вульгарно. На картине же наряд и поведение — выражение игры аристократки в нечто рискованное. Конечно, это не могло быть сделано без «разрешения» самой Исабель (в облике махи Гойя изобразил даже королеву Марию Луизу Пармскую).

Паоло Уччелло — итальянский живописец, представитель флорентийской школы кватроченто.

Лондонская картина являет одну из трех сцен цикла «Битва при Сан-Романо». Ее сюжет — Николо да Толентино ведет в бой флорентийское войско. Две другие хранятся в Лувре в Париже и Галерее Уффици во Флоренции. Цикл предназначался для палаццо Медичи, городского дворца самой могущественной флорентийской семьи. Три работы запечатлевают победу флорентийских войск в сражении в 1532.

Среди новаторов раннего флорентийского Возрождения Уччелло, совершенно поглощенный идеями воплощения перспективы в живописи, являлся самой экстравагантной фигурой. Джорджо Вазари писал о нем: «Будучи одаренным от природы умом софистическим и тонким, Уччелло не находил иного удовольствия, как только исследовать какие-нибудь трудные и неразрешимые перспективные задачи». По свидетельствам современников, он был настолько этим увлечен, что дни и ночи рисовал предметы в разных ракурсах, всякий раз усложняя задачу. Когда жена напоминала ему, что пора спать, он, с трудом оторвавшись от своих занятий, восклицал: «Какая сладостная вещь — перспектива!»

Его картины и представленная в частности производят впечатление почти абстрактной ирреальности, демонстрируют волнующую игру дерзких ракурсов сраженных лошадей, длинных копий, строгость геометрических форм. Это вписано в фантастический пейзаж, исполненный в сумрачных тонах. Примечательно, что все, не имеющее отношения к перспективе, оставляет художника равнодушным. Именно поэтому на его картинах нет… неба. Оно как бездонная глубина, не поддающаяся измерениям, совершенно выпадает из поля зрения Уччелло. Горизонт его работ поднят очень высоко, и все пространство отдано земным делам.