М. Силина - Музей изобразительных искусств Хьюстона

Сейчас бренд «Тиффани» известен на весь мир. Но не все знают, что за названием ювелирной фирмы скрывается имя художника, одного из самых ярких представителей эпохи модерн. Луис Комфорт Тиффани прославился своими изделиями из стекла: сложнейшими, многокрасочными витражами, абажурами, изящными декоративными вещицами, но не только работами, а инновационными методами и способами, изобретенными для возрождения художественного стекла. Тиффани придумал соединять его небольшие кусочки с помощью медной фольги, что произвело революцию в стеклоделии. Это позволило художнику создавать тончайшие моделировки и светоцветовые переходы, отойти от более грубого разделения поверхности принятыми ранее свинцовыми прутьями. Техника мастера и его фирмы стала самой распространенной во всем мире.

Представленный витраж отражает основные тенденции в творчестве художника. В стилевом отношении он творил в русле модерна. Тиффани стремился возродить цветовую и образную символику Средневековья — периода, когда искусство витража достигло расцвета. На данном изделии изображен лес. Он может одновременно восприниматься как пейзаж и как затерянный мир-сказка, что было в духе эстетики модерна. Особую прелесть придает то, что изделие меняет цвет и освещенность в течение дня, в зависимости от движения солнца по небу и погодных условий. Витраж становится потрясающей воображение «ожившей» картиной. Недаром про мастера еще при жизни говорили, что он «живописует» стеклом.

Данную литографию художник-реалист Джордж Беллоуз сделал по своей самой известной одноименной работе (1909). Он прославился произведениями о быте простых американцев, жителей больших городов. Здесь запечатлен бой между двумя боксерами. Этот нелегальный поединок происходил в клубе «У Шарки». Заведение, где собиралась далеко не почтенная публика того времени, находилось по соседству с мастерской художника на Бродвее. В подобных клубах частенько случались сходки разного рода гангстеров и праздных жителей Нью-Йорка. Несмотря на явно криминальную и не самую возвышенную тему, композиция литографии построена очень классично. Беллоуз делит лист на три части. Нижний край отдан под фризообразное изображение публики, которое похоже на древнегреческий рельеф. Головы и плечи исполнены силуэтно для более удобного и ясного обзора. Самую большую часть пространства занимают три фигуры в мощном движении. Композиция построена по классическому принципу пирамиды. Лучше всего освещен боксер в центре, его поза живописна. Незаметно для себя глаз зрителя схватывает диагонали. Сплошной черный цвет задней стены помещения играет роль контрастного фона. Горизонтальные канаты ринга служат для равновесия главным героям. Художник также представляет социальные типы зрителей: на первом плане — низы общества, в глубине сцены, как бы символически спрятавшиеся в темному, — респектабельные буржуа и бизнесмены.

Рогир ван дер Вейден прославился трактовкой иконографии Богоматери с Младенцем. Виртуозное мастерство живописца, ясный в своей уверенности, безмятежности и любви образ Матери Христа, а также простая, но цельная композиция сделали это изображение чрезвычайно популярным у заказчиков второй половины XV века. Ван дер Вейден наряду с Яном ван Эйком считается одним из величайших нидерландских живописцев. Его талант в передаче эмоций, теплоты человеческого прикосновения и взгляда стал очень востребован в кругу художников, мастер повлиял на несколько поколений североевропейских творцов. Одухотворенная трактовка облика Мадонны сочетается с по-человечески хрупкой, беззащитной фигуркой Младенца Христа.

Данная картина может служить превосходным примером особенностей творчества великого Рембрандта. Он считается одним из лучших портретистов в мировой истории искусства. Секрет мастерства художника заключался в удивительной способности сочетать портретное сходство, реалистическую трактовку героя с высокой одухотворенностью во взгляде, образе, особой светоносностью красок и полотна в целом. Он пользовался виртуозной техникой сопоставления по контрасту полупрозрачных мазков и частей холста, записанных темными, непроницаемыми цветами. Славу великого портретиста Рембрандту принесла и его способность совмещать обыденные, чисто человеческие черты и эмоции персонажа с тщательно отделанными официальными атрибутами богатых и знатных заказчиков — костюмом, украшениями и другими говорящими деталями. Музей владеет всего одной работой мастера, и вокруг нее создана экспозиция золотого века голландского искусства.

Наряду с работой Рембрандта музей хранит произведение одного из его лучших учеников — Фердинанда Боля. Здесь видны основные приемы мастерства, которые великий художник передал своему младшему коллеге: сочная вязкость светоносных красок, богатая, живая фактура костюма, удивительное по нежности лицо, смягченный теплым светом профиль будто случайно отвернувшейся от зрителя героини. Данная картина создана как традиционная аллегория на тему тщеты жизни — «ванитас». Образ перехода от цветения к угасанию, непостоянства всего живого был особенно популярен в голландском искусстве XVII века. Для иллюстрации этой метафоры живописцы часто прибегали к изображению пышущих здоровьем, красотой и молодостью женщин, которые любуются на себя в зеркало. Зритель того времени знал «продолжение» этой истории по средневековым миниатюрам и гравюрам: за красотой и расцветом неизбежно приходят дряхлость, старость и смерть.

Кающаяся Мария Магдалина — один из самых распространенных и популярных в европейском искусстве образов. На данном полотне художник расположил узнаваемые атрибуты героини: распятие, череп, книгу и емкость для благовоний, призванную олицетворять сосуд, в котором собираются ее слезы. Картина Филиппа де Шампаня поражает своим особым, не сразу уловимым настроением. Мария Магдалина запечатлена почти что в исступлении, практически обессиленной и обескровленной от постоянной молитвы раскаяния. Такая трактовка родилась неслучайно. Этот французский художник эпохи барокко был под большим влиянием янсенистов — секты, отличающейся фанатичностью и требовавшей от своих прихожан большой духовной самоотдачи. Ее деятели считали, что природа человека испорчена вследствие первородного греха и ему не помогут никакие хорошие поступки, а только истовая молитва о божественной благодати. Именно на этой грани между надеждой на спасение и ощущением полной безнадежности самостоятельных начинаний мастер пишет образ Марии Магдалины.

Представленная работа создана одним из самых знаменитых мастеров голландского натюрморта — Виллемом Класом Хедой. Данное произведение — прекрасный образец этого жанра и является не просто впечатляющим реалистическим изображением сложных по фактуре и светотеневым характеристикам предметов, но и картиной-посланием, в которой каждая деталь имеет символическое значение. Живописец так организовывал световоздушную среду и композицию, что обычная утварь будто становится особыми знаками и символами, «взаимоотношения» между ними насыщаются энергией.

Для усиления ценности вещей мастера предпочитали изображать дорогие, экзотические, редкие объекты. Излюбленным приемом было также выбирать предметы с трудной для передачи светящейся поверхностью. Это свет олицетворял мир, созданный Богом. Нельзя забывать, что голландский натюрморт несет в себе отпечаток религиозности эпохи. Поэтому неудивительно, что Хеда написал за свою жизнь очень много похожих полотен. В каждом из них мастер лишь немного менял количество предметов или их расположение. Главным являлось особое настроение «диалога» вещей как подтверждение божественного порядка. Художник изобразил стеклянный сосуд (стекло стоило немало), серебряную, искусно украшенную посуду, устрицы и заморскую диковинку — лимон. Хеда использовал тональную живопись: брал один основной цвет, в данном случае коричневый, и варьировал его. Наполовину наполненный бокал олицетворял, как правило, добродетель умеренности. Как и все натюрморты того времени, эта работа имеет морально-нравственный смысл: сопоставление аскетичной скромности с праздностью.