Стремление к монументальности усиливается в произведениях, выполненных в 1930-х годах. Таков натюрморт «Кувшин и фрукты» (1931), написанный более звучными, чем в прежних работах, красками. Предметы на столе лишены объемов и тем не менее не теряют своей материальной сущности.
В эти годы Шевченко побывал на Кавказе и в Закавказье. Впечатления, полученные во время посещения Аджарии, Дагестана, Азербайджана, выразились в эпических композициях, передающих идеал спокойного и безмятежного бытия.
В 1940-х годах тяжелобольной художник практически не принимал участия в художественной жизни страны и не создал ничего значительного.
Владимир Евграфович Татлин
(1885–1953)
В живописи русского авангарда Татлин занимает особое место. Если Казимир Малевич был пророком нового искусства, а Василий Кандинский — его идеологом, проповедником духовного, то Татлин, имевший золотые руки и ум великого изобретателя, был мастеровым авангардизма.
Владимир Евграфович Татлин, живописец-авангардист, основоположник конструктивизма, не получил систематического художественного образования. В 1905–1910 годах он проходил обучение в Пензенском художественном училище, затем посещал авангардные студии в Москве и Петербурге. Большое влияние на него оказали занятия в кружке М. Ларионова. И тем не менее можно сказать, что Татлин вошел в искусство самостоятельно. Уже в ранних его работах заметно необыкновенное мастерство живописца («Гвоздика», 1908). Татлин внимательно исследовал творчество Поля Сезанна, изучил древнерусское искусство и живопись неопримитивистов. Излюбленным мотивом его работ стало море. Татлин изображал все, что было связано с морской стихией, — моряков, рыбаков, продавцов рыбы. Вероятно, здесь сказался личный опыт мастера, в молодые годы ходившего на корабле юнгой и матросом.
В 1910 году в произведениях Татлина проявился интерес к конструктивизму, выразившийся в пружинящих контурах, резких разворотах фигур, трактовке линии как части окружности. И в этот же период художник выполнил ряд натюрмортов, отмеченных сезанновской сосредоточенностью и внутренней структурностью («Букет», 1911–1912).
В. Е. Татлин. «Букет», 1911–1912
В 1911 году были написаны такие известные произведения, как «Продавец рыб» и «Матрос».
Последнее полотно близко к житийной композиции русской иконы — слева и справа от портрета (по существу, это автопортрет) более мелкие изображения того же персонажа, одетого в матросскую форму.
В 1913 году художник работал над «Натурщицами» (несколько произведений из этой серии хранятся в Русском музее и Третьяковской галерее), показывающими, что с течением времени Татлин все более отходит от натуры. В последних полотнах цикла человек предстает уже как некий совершенный механизм.
Начиная с 1913 года мастер увлекается объемно-пространственными абстракциями, сооруженными из железа и дерева. Он включает в них детали из стекла, штукатурку, обои, а также элементы готовых вещей. Подобные работы были показаны Татлиным на экспозиции в его студии в 1914 году, затем продемонстрированы на выставках «Трамвай Б», «1915 год», «Магазин». Именно эти произведения впервые представили конструктивистское направление в русском авангарде («Башня III Интернационала», 1919–1920; «Махолет „Летатлин“», 1929–1932).
В. Е. Татлин. «Гвоздика», 1908
В 1920-х годах Татлин принимал активное участие в общественной жизни страны. Он работал в Наркомпросе, в Институте художественной культуры в Москве, преподавал в Киевском художественном институте, затем во Вхутемасе.
Татлин стремился охватить самые разнообразные сферы культуры, он конструировал новые формы в архитектуре, книгопечатании, театре. После того как русский авангард был фактически разгромлен, главным делом художника стала именно сценография. Он оформил спектакли «Не сдадимся» (Камерный театр, 1935), «Дело» (Центральный театр Красной армии, 1939–1940) и многие другие.
В поздний период своей жизни Татлин по-прежнему обращался к живописи, но возможностей для нее у художника оставалось все меньше. Его панно для Всесоюзной сельскохозяйственной выставки в 1938 году были объявлены «политически вредными» и уничтожены. Художник Виктор Борисович Эльконин, увидевший несколько поздних работ Татлина, вспоминал: «В его картинах ощущалась бережность, даже, можно сказать, ответственность за каждое прикосновение кисти к поверхности, и это было удивительно и даже странно среди художественной безответственности, царившей вокруг него. Я сказал, что мне его живопись очень нравится. Он воскликнул: „Нет, ты что! Ну, ты серьезно? Нет, а тут же все говорят, что это ерунда“». Лишь в 1970-е годы, уже после смерти Татлина, его творчество наконец получило достойную оценку.
Роберт Рафаилович Фальк
(1886–1958)
Как и другие представители «Бубнового валета», Роберт Фальк в своей живописи стремился сочетать новейшие принципы европейского искусства с русскими фольклорными традициями, но, в отличие от соратников, он писал более лиричные и задушевные композиции. Фальк никогда не создавал сюжетные работы, его привлекали предметы и природа. Художник писал: «Я стремился сдвигами формы акцентировать эмоциональную выразительность».
Живописец и театральный художник Роберт Рафаилович Фальк занимался в частных мастерских К. Ф. Юона и И. И. Машкова (1903–1904), затем обучался у В. А. Серова и К. А. Коровина в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1905–1910). Он был участником таких художественных объединений, как «Мир искусства», «Бубновый валет», Общество московских художников, Ассоциация художников революционной России.
Живописную манеру Фалька отличают интенсивность цвета, резкость контуров, стремление передать объемность. Значительное воздействие на художника оказало сезанновское искусство, к которому мастер подошел творчески. Переосмыслив наследие Сезанна, Фальк начал создавать проникнутые драматизмом картины с обобщенными геометризированными формами («Портрет Мидхада Рефатова», 1915; «Негр», 1917; «Красная мебель», 1920).
Постепенно черты кубизма оставляют творчество художника, начавшего уделять большое внимание передаче световоздушной среды, окутывающей предметы и человеческие фигуры. Таковы портретные композиции 1923–1924 годов, пронизанные ощущением тишины и покоя («Женщина в белой повязке», два автопортрета и др.).
В этот же период Фальк работал над оформлением спектаклей для Государственного еврейского театра в Москве («Ночь на старом рынке», 1925 и «Путешествие Вениамина III», 1927).
В 1928 году художник, занимавший должность декана живописного факультета Вхутеина, уехал во Францию с целью изучения классического наследия. Картины, созданные в Париже, отличаются интимностью и созерцательностью, им свойственны необыкновенно яркие красочные сочетания. Глубоко лиричны женские портретные образы («Портрет Л. М. Эренбург», 1933–1934; «Больная», 1935; «Парижанка», 1936).
Фальк пробыл за границей целых десять лет. В 1938 году он вернулся в Москву. В период Великой Отечественной войны художник жил в Средней Азии. Среднеазиатские впечатления нашли отражение в красочных композициях «Золотой пустырь. Самарканд», «Регистан», «У хауса. Самарканд» (все — 1943).
Р. Р. Фальк. «Натюрморт с негритянской скульптурой», 1944, частное собрание
Художник в своих натюрмортах очень тщательно разрабатывал каждый мотив. В этих произведениях отсутствует внешняя декоративность, нет в них необычных предметных сопоставлений и контрастов («Натюрморт с негритянской скульптурой», 1944, частное собрание). Натюрморты Фалька требуют продолжительного созерцания, только тогда, когда зритель внимательно всматривается в детали картины, в цветовые оттенки, предмет начинает оживать на его глазах.
Наслаивая мазки один на другой, художник добивается необыкновенного впечатления, тончайших цветовых переходов и красочных переливов. Предметы в натюрмортах Фалька не просто написаны на определенном фоне, они погружены в окружающую среду и уже не могут существовать без нее.
В послевоенный период живописец создавал одухотворенные и строгие портреты (С. М. Михоэлса, 1947–1948; В. Б. Шкловского, 1948; К. А. Некрасовой, 1950; А. Г. Габичевского, 1951 и 1952–1953), а также натюрморты («Голубка и роза», 1952; «Картошка», 1955). Не принятый официальным искусством, Фальк не мог участвовать в выставках, но продолжал упорно работать в своей московской мастерской.
Петр Петрович Кончаловский
(1876–1956)
Великолепные пейзажи, натюрморты, портреты Петра Кончаловского поражали зрителей своей красочностью и оптимизмом. С помощью тончайших цветовых нюансов и плавных линий художник умел запечатлеть чувственную прелесть окружающего мира. До глубокой старости Кончаловский оставался бодрым и жизнерадостным, и это помогало ему создавать такие же мажорные и праздничные полотна, как и в далекой молодости.
