Я. Вермер Делфтский. «Служанка с кувшином молока». Ок. 1658 г. Государственный музей. Амстердам
В русской живописи бытовой жанр сформировался позднее других. Лишь 18 в. даёт единичные примеры (И. И. Фирсов. «Юный живописец», 1760-е гг.; М. Шибанов. «Крестьянский обед», 1774, и «Празднество свадебного договора», 1777). Жанровые мотивы появляются в творчестве мастеров первой пол. 19 в. К. П. Брюллова («Итальянский полдень», «Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя», обе – 1827) и В. А. Тропинина («Кружевница», 1823). Родоначальником русской бытовой живописи стал А. Г. Венецианов. Труды и дни крестьян предстают в его полотнах как вечный праздник единения с природой; красота женщин овеяна духом высокой классики: в их образах та же ясность и гармония, что и в греческих статуях или Мадоннах эпохи Раннего Возрождения («Жнецы», ок. 1825 г.; «На жатве. Лето», 1820-е гг.; «Утро помещицы», 1823). В полотнах П. А. Федотова («Разборчивая невеста», 1847; «Сватовство майора», 1848; «Завтрак аристократа», 1849 г.) социальная сатира счастливо слита с поэзией, с любованием красотой окружающего мира. Его поздние картины («Анкор, еще анкор!», «Игроки», обе – 1851—52) пронизаны подлинным трагизмом.
П. А. Федотов. «Завтрак аристократа». 1849 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва
Бытовой жанр становится ведущим в живописи передвижников, заостривших критическую направленность творчества Федотова. Находя остросоциальные, злободневные сюжеты в современной действительности, они пишут свои картины с горячим состраданием к «маленьким людям», властно взывают к общественной совести, протестуя против несправедливости (В. Г. Перов. «Проводы покойника», 1865; «Тройка», 1866; И. М. Прянишников. «Шутники», 1865; Н. В. Неврев. «Торг. Из недавнего прошлого», 1866; В. Е. Маковский. «Свидание», 1883). В 1870—80-е гг. появляются «хоровые картины» (термин В. В. Стасова), в которых действуют большие массы народа («Бурлаки на Волге» И. Е. Репина, 1870—73; «Взятие снежного городка» В. И. Сурикова, 1891). Традиции бытового жанра передвижников продолжили в 1920-е гг. живописцы, входившие в Ассоциацию художников революционной России. Мастера из Общества станковистов (А. А. Дейнека, Ю. И. Пименов и др.) писали героические будни строительства новой жизни. Во второй пол. 20 – нач. 21 в. жанровая живопись сохраняет популярность в творчестве мастеров, приверженных разным направлениям (Ф. П. Решетников, Т. Н. Яблонская, С. А. Чуйков, А. А. Пластов, В. Е. Попков, Н. И. Андронов, П. Ф. Никонов, Т. Г. Назаренко, Н. И. Нестерова и многие др.).
Л. И. Соломаткин. «Свадьба». 1872 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва
БЮСТ (франц. buste, от лат. bustum – место кремации, надгробный памятник), погрудное или оплечное скульптурное изображение человека; вид скульптурного портрета, в древности надгробного. Ведёт происхождение от древнегреческих герм. Был широко распространён в эпоху эллинизма. Греческие бюсты лишены портретного сходства: скульпторы представляли национальный идеал героя («Перикл» Кресилая, 5 в. до н. э.). Древнеримские бюсты родились из др. источника: восковых надгробных масок предков, которые принято было хранить в домах (обожествлённые предки считались покровителями рода). Отсюда индивидуальная неповторимость скульптурных портретов, доносящих до зрителя суровую, неприглядную правду о мужественных, а подчас жадных и порочных гражданах и правителях Рима («Брут», кон. 3 – нач. 2 в. до н. э.; «Калигула», 3 в. н. э.). Античные традиции были продолжены мастерами эпохи Возрождения (Микеланджело) и классицизма (Ж. А. Гудон, Ф. И. Шубин). В бюстах, созданных в стиле барокко (Д. Л. Бернини, Б. К. Растрелли), фигуры предстают в сложных движениях и резких поворотах; они обрамлены пышными складками, иногда перегружены деталями; скульпторы стремятся передать оттенки психологического состояния, настроения модели. В 20 в. бюсты, наделённые яркими портретными характеристиками, создавали П. П. Трубецкой, С. Т. Конёнков, В. И. Мухина и др.
Ф. И. Шубин. «Бюст М. В. Ломоносова». Гипс. 1792 г. Русский музей. Санкт-Петербург
ВАВИЛÓНИИ ИСКУ́ССТВО, см. в ст. Месопотамии искусство
ВАЗÁРИ (vasari) Джорджо (1511, Ареццо – 1574, Флоренция), итальянский живописец и архитектор эпохи Возрождения, представитель маньеризма. Первый историк итальянского искусства, создавший жанр художественных биографических энциклопедий. Ввёл в обиход термин «Ренессанс» (Возрождение). Первое издание биографий итальянских художников (от Чимабуэ до Микеланджело; 1550) включало в себя трактат по техническим методам, используемым в искусстве. Во втором издании (1568), озаглавленном «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», биографии были частично переписаны и расширены, сопровождались гравированными портретами художников. Хотя биографические сведения содержат множество не находящих подтверждения фактов и анекдотических подробностей, они по-прежнему остаются важнейшим источником по истории искусства эпохи Возрождения.
Дж. Вазари. «Вид Флоренции». 1558 г. Фрагмент
Как художник сформировался в кругу флорентинских маньеристов А. дель Сарто, Р. Фьорентино и Я. Понтормо; испытал сильнейшее влияние Микеланджело (фрески Палаццо Веккьо во Флоренции, 1551—71; росписи купола собора Санта-Мария дель Фьоре, завершены Ф. Цуккаро). Построил Палаццо деи Кавальери в Пизе (1562); собственный дом (1542), ныне музей художника, и Палаццо делле Лодже (начато в 1573 г.) в Ареццо; ансамбль Уффици во Флоренции (начат в 1560 г.). В 1562 г. основал Академию рисунка во Флоренции, посвятив её Микеланджело; пропагандировал теорию рисунка как основы всех пластических искусств.
ВÁЗОПИСЬ, роспись керамических сосудов. Самые ранние образцы относятся к эпохе энеолита (3—2-е тыс. до н. э.) Узоры в виде волнистых линий и простейших геометрических фигур служили не только украшениями, но и магическими знаками, отпугивавшими злые силы. Высочайшего расцвета вазопись достигла в крито-микенском искусстве. Заимствованные у природы формы ваз стиля «камарес» (в виде птицы, раковины, медузы; 20–18 вв. до н. э.) искусно подчёркивались орнаментами с морскими и растительными мотивами, свободно покрывавшими весь сосуд. Гибкие белые и красные линии ярко выделялись на фоне блестящей тёмной обмазки. Критские мастера кон. 17–16 в. до н. э. обыгрывали природный цвет глины, нанося изображения тёмными красками поверх светло-оранжевого фона. Так, в знаменитой фляге с осьминогом морское чудовище словно оплетает щупальцами весь сосуд. Росписи ваз «дворцового стиля» (15 в. до н. э.) строже по композиции; живые природные формы в орнаментах превращаются в геометризованные. В вазописи микенской Греции (14–12 вв. до н. э.) росписи становятся ещё более сухими и схематичными.
Экзекий. Амфора с изображением Ахилла и амазонки Пентесилеи. Древняя Греция. Ок. 530 г. до н. э.
Особое совершенство отличает древнегреческую вазопись. Сосуды геометрического стиля (9–8 вв. до н. э.) покрывали орнаментом в виде строго чередующихся горизонтальных полос, заполненных простейшими фигурами и меандром (спираль с резко изломанными углами). Некоторые вазы были огромного размера и служили надгробными памятниками (Дипилонская амфора, 8 в. до н. э.). В ярких и красочных росписях «коврового стиля» (7 в. до н. э.) цветы и фигуры животных сплетались в причудливый узор. В 6 в. до н. э. в вазописи господствовал чёрнофигурный стиль: фигуры и предметы наносились блестящей густой краской (чёрным лаком) на оранжевый фон глины; черты лица, складки одежды процарапывались. Тёмные, плоские силуэты подчёркивали выпуклую форму вазы. Отточенность контурных линий, плавный музыкальной ритм отличают росписи мастеров Клития, Экзекия и др.
Евфимид. Амфора со сценой проводов Гектора. Древняя Греция. Нач. 5 в. до н. э. Фрагмент
Ок. 530 г. до н. э. чёрнофигурная вазопись сменяется краснофигурной: силуэты фигур обводили тёмным контуром и оставляли незакрашенными, а фон заливался чёрным лаком. Новая техника позволила более подробно прорисовывать детали, передавать объёмы с помощью внутренних линий, наносившихся тонкой кистью (мастера Евфроний, Евфимид, Дурис, Бриг и др.). Греческая вазопись оказала огромное влияние на западноевропейское и русское искусство; типы античных ваз и мотивы их росписей повторялись и варьировались на протяжении многих веков, особенно в эпоху классицизма. Подглазурные росписи (красочные изображения, нанесённые на поверхность сосудов, покрывались специальным лаком и обжигались в печи, что придавало им прочность и переливчатый блеск) впервые появились, вероятно, в Древнем Китае (2-е тыс. до н. э.). Изобретение фарфора (1-е тыс. до н. э.) позволило украшать посуду тончайшими узорами и целыми живописными «картинами». Китайская посуда пользовалась популярностью в Европе и России, породив в эпоху рококо волну подражаний. Глазурованная посуда изготавливалась в западноевропейских странах (с 8 в.), в Византии (с 9 в.), на Руси (с 10 в.). С 18 в. расписную посуду производят в основном на государственных и частных фарфоровых заводах; продолжают создаваться и изделия народных промыслов (Гжель).
